Classic Musica

NAVIDAD 2009

2009-12-26T08:34:00.000+01:00

FELIZ NAVIDAD

Selección de bellas melodias navideñas

Virtuosos del violín: Christian Ferras ( 2 )

2009-02-10T18:40:00.004+01:00

En el año 1964 Christian Ferras empieza sus grabaciones con el sello Deutsche Grammophon junto a la Orquesta Filarmónica de Berlín y bajo la batuta de Herbert von Karajan. En principio son programados veinte conciertos, aunque al final sólo se realizaron seis: los de Brahms, Sibelius, Tchaikovsky, Beethoven y dos de Bach. Con la misma discográfica graba también las Sonatas de Brahms, de Schumann , de Cesar Franck y de Lekeu; todas formarán parte de las interpretaciones del dúo violín-piano consideradas magistrales.

En 1966 adquiere, de nuevo por mediación de Etienne Vatelot, el Stradivarius llamado "El Milanollo-Teresa", un violín de leyenda con una historia apasionante que ha sido publicada en libro. Construído en 1728, perteneció a J.S. Bach, fue ofrecido al Regente de Francia, se mató para ocultarlo, huyó de la Revolución Francesa en el equipaje del célebre violinista Viotti hacia Inglaterra y estuvo en poder de otros virtuosos como Dragonetti, Paganini y Teresa Milanollo.

En 1967 su notoriedad le ofrece el privilegio de ser invitado por el rey de Dinamarca para tocar en la boda de su hija la princesa Margarita. El año siguiente recibe una invitación de Farah Diba, esposa del Sha de Persia para tocar en el Festival de Persépolis. Solista invitado en la primera gira de la Orquesta de París en Estados Unidos, la muerte repentina de su director Charles Munch les obliga a regresar anticipadamente a Francia. El 28 de noviembre recibe en el Hotel de Ville de París, el Premio de la Academia del disco francés.

Giras y actuaciones por Alemania, Israel, Francia, Suecia, Suiza, El Festival de Prades, jurado en el concurso Long-Thibaud, donde se presentó una vez como aspirante, el programa televisivo "Musique pour vous"... la actividad de Christian Ferras es desbordante, es solicitado de todos los países, de todas la Salas de Conciertos, por los grandes directores.

Pero de repente, todo se derrumba ante una grave depresión. A la vez se pone de manifiesto un mal oculto durante años, su dependencia del alcohol que reforzaba un estado moral cada vez más frágil. Estamos en 1970, Ferras tiene 37 años y hace casi veinticinco que toca el violín, quizá se ha prodigado demasiado o no han dirigido bien su carrera. Podría ser que sus días de gloria y triunfo se hayan terminado...

Durante el próximo decenio disminuye considerablemente su actividad de concertista, pasa de curas de desintoxicación a tentativas de reanudar su carrera, pero sus facultades están afectadas, ya no toca como antes y esto empeora su estado de ánimo. Escasean los contratos y las discográficas no lo solicitan para nuevas grabaciones. No es fácil comprender lo que experimenta una persona que ha vivido largo tiempo el esplendor de sus dotes artísticas, encontrarse en esta situación.

Pero sigue siendo muy querido en Francia y el 25 de noviembre de 1974 recibe un homenaje en el Teatro de Champs-Elysées, conmemorando el 25 aniversario del duo Ferras-Barbizet.

Al año siguiente es nombrado profesor en el Conservatorio de París, puesto que trata de ejercer lo mejor posible, a pesar de que no se siente llamado, ni con cualidades para este trabajo.También participa en academias de verano, en particular las de Niza y Saint-Jean-de-Luz.

Vista de París, donde estudió y vivió Christian Ferras

Después de una larga ausencia, reaparece en la escena parisién el 9 de marzo de 1982 con el pianista Alain Lefèvre, aunque su verdadero retorno es el 6 de mayo en la Sala Gaveau. De nuevo con Pierre Barbizet, ofrece un concierto memorable ante el más selecto público de París. A pesar del éxito conseguido, el terrible mal está oculto en el fondo de su alma. Ofrecerá su último concierto el 25 de agosto en la ciudad francesa de Vichy. Tres semanas después, el 14 de Setiembre de 1982, en un día triste para los amantes de la música, Christian Ferras pone fin a su vida. Tenía cuarenta y nueve años.

Se conoce poco de la existencia personal de Ferras. Niño extremadamente dotado, trabajó intensamente en el estudio del violín, bajo la exigente tutela de su padre, también violinista. Su vida entera se consagró a la música, tanto en su infancia como de adulto. Se compadecía a menudo, en particular a sus alumnos de Conservatorio, de haber tenido todo demasiado deprisa. Muy joven, había conocido el éxito, viajado y ganado pronto suficiente dinero para poder ofrecerse todo lo que deseaba y eso lo dejó rápidamente hastiado. Siempre se sintió muy solo, su matrimonio no fue feliz, no tuvo hijos y hablaba de su perro casi como de su hijo. La enorme presión de las giras, los conciertos, viajes, le hizo buscar refugio en el alcohol y al final hundirse en una grave depresión nerviosa.

Considerado el último representante de la escuela de violín franco-belga, quizá este título correspondería mejor a Arthur Grumiaux, el cual perpetúa la tradición. Christian Ferras transfigura el repertorio y realiza una síntesis de diferentes influencias que se conoce cono el "estilo Ferras", mezcla única y contrastada de juventud, consistencia musical, intensidad e intuición. Pocos violinistas saben infundir tanta pasión a la música y dejar su sello personal en las obras que toca. Dificilmente superables son sus registros del Tzigane de Ravel, la Sinfonía Española de Lalo o el Poema y el Concierto de Chausson.
Artista apasionado e instintivo, no hacía nunca grandes y largas investigaciones sobre las obras con el fin de saber como debía interpretarlas. Prefería tocar como lo sentía, confiándose a su instinto de músico y a sus propios gustos. Pierre Barbizet contaba que no justificaba nunca la elección de sus interpretaciones hablando de lo que habrían hecho los músicos de la época o de lo que habría querido oir el compositor. No dudaba en cambiar el texto (matices, fraseado, notas) diciendo solamente: "esto suena mejor así", lo que hace sus registros tan personales.

Su posición era también muy personal e inimitable. A sus alumnos del Conservatorio les decía algo paradójico: "no hagan como yo". Su mano izquierda era extremadamente móvil y no parecía conocer posiciones, tocando hacia atrás y utilizando tactos increíbles, lo que daba esa impresión de fluidez en las frases melódicas y estos colores característicos que permiten reconocerle entre otros muchos violinistas. Colocaba su violín sobre el hombro y no sobre la clavícula, con la oreja clavada al mentonière. Su comportamiento con el arco también era muy especial: el pulgar siempre invertido, el índice muy alto, el dedo pequeño aplastado y muy raramente colocado sobre la barra, el codo muy alto y haciendo jugar mucho el hombro (en particular en los traslados rápidos).Resumiendo, ¡todo lo que un joven alumno del violín no debe hacer!

Caballero de la Legión de Honor, Gran Premio del Disco Francés, Orden Nacional del Mérito, las Artes y las Letras, Christian Ferras no dejó testimonio escrito de su vida, ni ninguna sociedad que recordase su nombre, pero sus interpretaciones guardadas en disco son su testamento y seguirán dando a conocer su arte a todos los melómanos del mundo. Entregó su vida al violín para darnos a conocer en su apasionado y ardiente sonido, los sentimientos que brotan del corazón.

Página en internet Los amigos de Christian Ferras, de donde hemos extraído parte de este artículo.

Cesar Franck, Sonata para violín y piano. Christian Ferras y Pierre Barbizet

Sibelius, Concierto para violín y Orquesta, opus 47. Christian Ferras, violín. Dirige Zubin Mehta

Virtuosos del violín: Christian Ferras ( 1 )

2009-02-20T12:13:00.003+01:00

Christian Ferras: Triunfo y tragedia

Christian Ferras nace el 17 de julio del año 1933 en Touquet (Francia) y es el tercer hijo de Antoinette y Robert, los cuales trabajan como hoteleros en Pas-de-Calais durante la temporada favorable, aunque el resto del año viven en la hermosa ciudad de Niza, en la famosa Costa Azul francesa.

Comenzó a estudiar violín con su padre, un antiguo alumno de Marcel Chailley. En 1941 entra en el Conservatorio de Niza, en la clase de Charles Bistesi que estudió con César Thomson en Bruselas (Bélgica). Tres años más tarde obtiene el Primer Premio de Excelencia de violín, el Primer Premio de Música de Cámara y el Premio de Honor de la ciudad de Niza.

El Puerto Viejo, en la bella ciudad de Niza (Francia)

En agosto de 1944, inmersos en una Francia que lucha por su liberación a causa de la segunda Guerra Mundial, el matrimonio Ferras y sus hijos viajan a París, pero la situación política-militar los retiene largas semanas en Mâcon. Finalmente llegan a París en el mes de octubre y Christian es admitido en el famoso Conservatorio donde tiene como profesores a René Benedetti y Joseph Calvet. Sólo dos años de estudio le bastan para obtener un Primer Premio de violín, concedido por unanimidad.
En octubre de 1946, a los trece años, Christian Ferras empieza su brillante carrera artística debutando junto a la Orquesta Pasdeloup, bajo la dirección de Albert Wolff. Interpreta la magnífica "Sinfonía Española" de Lalo, a la semana siguiente el Concierto para violín de Beethoven y unos meses más tarde el Concierto para violín de Johannes Brahms. París se rinde con admiración al joven y virtuoso violinista.

La famosa Sala Gaveau, en París

No obstante el éxito conseguido, prosigue su formación primero con Boris Kamenski, violinista en la Corte del Zar y exilado en París después de la Revolución de 1917, con el cual profundiza en las enseñanzas de la escuela rusa y más adelante tiene un encuentro determinante al conocer y empezar a trabajar con George Enesco, gran compositor, violinista, pedagogo, pianista y director de orquesta rumano. Este mismo año, 1947, empieza sus grabaciones discográficas para la prestigiosa marca Decca.
El mes de mayo de 1948, el jurado del Concours International de Scheveningen que preside Yehudi Menuin le otorga uno de los dos primeros premios. Allí conoce al pianista Pierre Barbizet con quién formará uno de los más famosos dúos de violín y piano de la historia por espacio de quince años. El 16 de noviembre, en la famosa sala Gaveau de París, ofrece la primera audición de la Sonata para violín solo de Arthur Honegger. En el texto de presentación, el autor describe su obra y comenta su satisfacción hacia el intérprete que califica de "Uno de los más grandes jóvenes violinistas". En 1949 se otorga a Christian Ferras el segundo premio del prestigioso concurso Long-Thibaud (el primero no se asignó).

Una vista de París con el rio Sena y la Torre Eiffel al fondo

En noviembre de 1951 Ferras actúa en el Titania Palast de Berlin bajo la dirección de Karl Böhm con el Concierto de Beethoven, tiene dieciocho años y aquí empieza una nueva dimensión en su carrera. Además de nuevas grabaciones en disco, comienzan sus giras por el mundo: Japón, Africa, América del Sur, Europa.
En 1954 adquiere por mediación del luthier Etienne Vatelot el violín Stradivarius llamado "Le Président" fabricado en 1721. Existe una anécdota al respecto, y es que Ferras tocaba en una copia de Guarnieri realizada por Max Millant en 1949 y luego en otra copia de Stradivarius de 1952. Vatelot que asistió a sus conciertos estaba convencido que su violín era auténtico, por la magnífica sonoridad que conseguía su intérprete y se mostró grandemente sorprendido al recibir el encargo y conocer su error.

Ferras graba el Concierto para violín de Brahms junto a la Orquesta Filarmónica de Viena y dirigidos por Karl Schuricht. Este es el primer disco que tiene una verdadera repercusión en el mundo musical, más adelante lo grabará con Karajan obteniendo el "Gran Premio del Disco" y también hace registros con la Orquesta de la Suisse Romande y su director Ernest Ansermet. Con la casa EMI publica los conciertos de Mendelssohn y Tchaikovsky. En 1958 hace la creación del Concierto Húngaro del compositor Gyula Bando, graba el concierto "A la memoria de un angel" de Alban Berg, (composición dedicada a la hija de Alma Mahler, muerta de poliomielitis a los dieciocho años) y con Pierre Barbizet registra la integral de las Sonatas de Beethoven, obra que aún hoy en día es considerada de referencia.
Estamos en 1959, éste y los próximos años serán los de mayor gloria y triunfo para Christian Ferras. Debuta en Estados Unidos con el Concierto de Brahms, dirigido por Charles Munch. En verano tocará junto a dos eminentes artistas, el violoncellista Pau Casals y el pianista Wilhelm Kempff en el prestigioso Festival de Prades (Francia). Antes de acabar el año, el 3 de diciembre, contrae matrimonio con Beatriz Martellére, ex-esposa del director de orquesta Georges Sebastian.
Realiza giras, conciertos, actúa en emisiones de radio y televisión, sigue haciendo grabaciones en disco, los viajes y recitales se suceden a ritmo acelerado. Triunfa en Estados Unidos y vuelve al Festival de Prades. El 20 de abril de 1963 toca en un concierto dado en Roma ante el Papa Juan XXIII, y lo relata como una de las emociones más intensas de su vida, como hombre y artista. Sólo un acontecimiento pondrá tristeza en su corazón, su gran amigo y colaborador Pierre Barbizet es nombrado Director del Conservatorio de Marsella y disminuye su actividad como pianista, con lo cual su colaboración artística parece haber llegado a su fin.

Félix Mendelssohn, Concierto para violín. Christian Ferras y la Orquesta de Radio Canadá dirigidos por Alexander Brott. Grabación del año 1963. Ferras toca con el Stradivarius "President" de 1721.

Brahms: Concierto para violín y orquesta

2009-11-15T20:00:00.003+01:00

Joseph Joachim en un dibujo de Menzel (1853)

El público inglés fue uno de los primeros que reconoció la genialidad del concierto para violín y orquesta de Brahms. El compositor no era un gran viajero debido al más prosáico de los motivos: temía el mareo y no tenía facilidad para los idiomas. Visitó Holanda y Suiza donde halló pocas, sino ninguna, dificultades de lenguaje y fue un ferviente enamorado de Italia. Pero no pudo ser persuadido a cruzar el Canal de la Mancha como hicieron Haendel, Weber y Mendelssohn.

Uno de los que más se esforzaron en inducir a Brahms a visitar Inglaterra fue Friedrich Chrysander. En una carta fechada el 10 de noviembre de 1879, tras referirse a los "amigos ingleses" de Brahms, dijo: Vd. puede muy bien denominarlos así ya que han escuchado por dos veces su concierto para violín con gran inteligencia, mientras que los buenos hamburgueses todavía no sabían como tomárselo.

La sala Gewandhaus de Leipzig

Brahms tenía 46 años cuando en 1879 el concierto para violín fue estrenado en un concierto en la sala Gewandhaus de Leipzig, con Joseph Joachim como solista y el compositor asumiendo la dirección. Por aquel entonces se encontraba en la cúspide de su carrera de compositor orquestal. Las dos primeras sinfonías y el primer concierto para piano habían sido ya escritos y las otras dos sinfonías, el segundo concierto para piano y el doble concierto para violín y violoncelo aparecieron en la década siguiente.

Brahms amaba Viena, ciudad que visitió en 1862 y en la cual fijó posteriormente su residencia. Pero también amaba sus "vacaciones veraniegas" donde quiera que fuere, algunas veces junto al mar, pero más a menudo tierra adentro, en las montañas, lagos y rios; parece ser que jamás fue tan feliz como en las vacaciones que pasó en Pörtschach, junto al lago Wörther, donde tres de sus más geniales composiciones fueron escritas en su mayor parte. Allí encontró no sólo un apacible lugar en el cual poder trabajar, sino también una sociedad, tanto local como de visitantes, que fue de su mayor agrado.

Vista de Pörtschach

Brahms se dirigió por primera vez a Pörtschach en 1877 y el resultado fue la segunda sinfonía. Regresó al año siguiente y escribió el concierto para violín. Su última estancia fue en 1879 y produjo la hermosa primera sonata para violín y piano, opus 78. Sin embargo, no volvió a aquella localidad debido a que se estaba convirtiendo -ya en aquella época- en demasiado popular para los turistas.

Al principio los solistas, con la excepción de Joachim, para quien el concierto fue escrito y quien fue frecuentemente consultado sobre aspectos técnicos durante su composición, contemplaban con aversión el nuevo concierto. Era "atrozmente difícil"; era un concierto "no para el violín, sino contra el violín". Posteriormente Huberman dijo que no era ni para ni contra el violín, sino "para el violín contra la orquesta, con la victoria del violín". Incluso el gran Sarasate no tuvo nada que hacer con el nuevo concierto. En la actalidad, como es natural, ha ocupado el puesto que le corresponde; junto al concierto de Beethoven se halla en la cúspide de todas las composiciones para violín y orquesta.

Movimiento primero - Allegro non troppo.

El tutti inicial es de considerable extensión. Al principio, los fagotes, violas y violocencelos anuncian una serena melodía la cual se eleva para volver a descender, dentro del rango de re mayor. Sin embargo, no ha sido completamente desarrollada, cosa que tiene lugar despues de la entrada del solista. Luego aparece un motivo fluyente que primeramente se escucha en el obóe y más tarde un tema más enérgico. Todos ellos son desarrollados con considerable apasionamiento antes de que el solista entre con una cadencia en arpeggiando para restablecer el primer tema y discurrir sobre el restante material que se ha escuchado previamente en la orquesta.

Una enfática doble pausa del solista conduce al segundo motivo, tras el cual el violín nos presenta un bello tema, completamente nuevo. La música se sume gradualmente en un contemplativo pianissimo pero en última instancia la exposición finaliza de manera tormentosa a efectos de preparar el camino para la sección de desarrollo, la cual es iniciada por el solista mediante una pequeña melodía angular. El violín y la orquesta se combinan para crear una excitada culminación antes de que la cadencia sea alcanzada. Brahms no escribió su propia cadencia y la que normalmente se ejecuta es la escita por Joachim. La coda, la cual se basa en el tema incial, comienza quedamente pero culmina en una triunfal exaltación.

El lago Wörther en Pörtschach

Movimiento segundo - Adagio

El segundo movimiento es una extensa canción, una canción de paz, calma y contento pero es menos una canción para el violín con acompañamiento orquestal que una canción para la orquesta bordada por el instrumento solista. Este movimiento a menudo ha sido criticado, habíendosele tachado de demasiado leve visto el contexto general, pero Sir Donald Tovey, en su obra "Ensayos de análisis musical" pone las cosas en su lugar cuando afirma: "La razón por la cual algunos críticos han pensado que el movimiento era demasiado leve se debe a que en realidad se trata de un movimiento gigantesco".

Posiblemente, fue la propia denigración del compositor hacia este movimiento lo que dio pábulo a las críticas. Parece ser que Brahms originalmente tuvo la intención de dotar a la obra con cuatro movimientos. En una carta manifiesta que "los movimientos centrales han desaparecido y por supuesto eran los mejores" y luego añade: "En su lugar he escrito un debil Adagio". Por desgracia, nunca conoceremos estos dos movimientos ya que sin duda Brahms los destruyó como muchas otras de sus composiciones.

El tema principal del Adagio es presentado por el obóe y es de notar que desde el principio al fin del movimiento el solista no interviene de una manera completa. Hay un pasaje particularmente encantador en el cual una forma modificada de este tema es el motivo de un diálogo entre el solista y la trompa.

Movimiento tercero - Allegro giocoso ma non troppo vivace

El final es de forma de Rondó y su sabor húngaro bien puede ser un cumplico a Joachim quien era húngaro de nacimiento (y arregló algunas de las danzas húngaras de Brahms para violín solo). Tanto el primero como segundo motivo son vivaces y vigorosos y discurren entre el solista y la orquesta. Una forma más gentil y graciosa es presentada en la parte central pero pronto se reafirma la alegría general y tras una cadencia y un episodio en forma de marcha, tres acordes anuncian el final de esta magnífica composición, la cual, mientras jamás cesa en su virtusismo como objetivo primordial, impone como tributo la mayor fuerza y destreza a los más grandes violinistas.

Johannes Brahms, Concierto en re mayor, opus 77, para violín y orquesta.

David Oistrakh, violín.

Directores famosos: Otto Klemperer ( 2 )

2008-11-05T20:06:00.002+01:00

Con el tiempo, en un esfuerzo para recuperar su prestigio en el mundo musical, Otto Klemperer y su esposa gastaron los ahorros de toda su vida en contratar setenta músicos para ofrecer un concierto en el Carnegie Hall de Nueva York. El concierto fue un éxito de crítica, pero aún así nadie le ofrecía un puesto permanente, y Klemperer tuvo que capear los años de la guerra con presentaciones esporádicas como director invitado de varias orquestas norteamericanas.

Luego, en 1946 ocurrió un milagro tan maravilloso como no se recuerda otro semejante en la música moderna. Invitado para hacer una gira de conciertos por la destrozada Europa de la postguerra, el inquebrantabla Klemperer que había cumplido ya 61 años, enardecía a las orquestas europeas con su presencia y al partir dejaba tras de sí el aplauso de multitudes deslumbradas. Aquel desvaído gigante, que parecía estar con un pie en la sepultura, empezó a vivir de nuevo.

Otto Klemperer en 1945, junto a Alma Mahler, que fue esposa del compositor.

Durante tres años dirigió en Budapest con gran éxito, hasta que el cerco estalinista, que se estrechaba cada vez más, le obligó a marcharse nuevamente. En nuevo vagabundeo con su familia, dirigió orquestas en Argentina, Australia y Canadá. Pero en 1951, en Montreal, sufrió una grave caída y se rompió la cabeza del fémur. Después de ocho meses de convalecencia quedó convertido en un director que no podía siquiera mantenerse en pie frente a la orquesta.

Pero ni tampoco esto le detuvo. Empezó a trabajar con la orquesta Philarmonia de Londres, dirigiendo sentado en una silla. Al principio daba sus conciertos en salas semivacías, pero poco después lograba que se agotaran las localidades. Pasado algún tiempo ya podía llegar hasta el podio con ayuda de muletas, aunque permanecía sentado mientras dirigía. Más tarde sustituyó las muletas por dos bastones; después le bastó uno solo. Por fin, durante un ensayo de la ópera Don Giovanni, de Mozart, en el momento de marcar la entrada a los trombones en la escena del cementerio, se puso en pie sin ayuda.

El Royal Festival Hall de Londres, sede de la Orquesta Filarmonía.

Con la Philarmonia labró Klemperer la coronación de su carrera. Designado primer director vitalicio de la orquesta, los músicos llegaron a conocerle como algo más que aquel hombre severo y remoto, que estaba siempre en su sitio diez minutos antes de los ensayos y miraba a los retrasados cuando pasaban junto a él escurriéndose avergonzados. Sus accesos de depresión rara vez se manifestaban; era un hombre afable y paternal, querido de todos. Pero seguía dispuesto a dar la vida por la música y sabía incitar a otros a darse también a ella por entero.

A veces asomaba el lado áspero de su carácter. Después de una momentánea falta de cohesión de la orquesta, declaraba con una tenue sonrisa: Excelente, señores; pero estaría mejor si tocaran juntos. Sus elogios más ambiguos los reservaba para otros directores. A uno de ellos le dijo amablemente: Admiro la convicción con que interpretó usted los "tempi" incorrectos.

Su estilo revelaba la verdadera fuerza de su genio. En una época de pulidos directores, amigos de efectos teatrales y excesivamente preocupados por la tersura del sonido, Klemperer era un hombre tosco y desgarbado, tenaz forjador de una música vigorosa.

Interior del Royal Festival Hall.

Crispada en un puño su mano derecha semiparalizada y dirigiendo casi exclusivamente con la izquierda, buscaba sin cesar el sonido definitivo. Aún después de seis decenios de conciertos públicos, parecía ajeno a la presencia del auditorio, cuyos aplausos agradecía con desgana. El diario The Manchester Guardian dijo en tributo suyo: No pretendía acariciar nuestros sentidos; su propósito era llegar a la verdad.

Sus tribulaciones personales, sin embargo, estaban lejos de terminar. Su mejor aliada, su esposa, falleció en 1956. Dos años después, en 1958,mientras fumaba su pipa, prendió fuego a la cama y sufrió quemaduras de tercer grado. Sin embargo, ni la parálisis ni el haber estado a punto de arder, consiguieron apartarle del podio.

Adondequiera que el anciano maestro no pudiera acudir, sus grabaciones llegaban por decenas de miles. Pero tampoco en el estudio fonográfico era un director convencional. Le disgustaba volver a grabar dos compases aquí, cinco allá, para lograr la ejecución perfecta a que aspiran los técnicos de sonido. Eso, afirmaba él obstinadamente, sería poco honrado.

Aunque sus conciertos y grabaciones ya le producían unos ingresos considerables, Klemperer continuaba viviendo con sencillez en hoteles ondinenses o en su pequeño apartamento de Zurich (Suiza). Se levantaba temprano, daba largas caminatas e invariablemente dormía la siesta por la tarde.

Con la Philarmonia celebró sus 85 y 86 cumpleaños, interpretando triunfalmente obras monumentales de la música, como la Novena sinfonia de Beethoven. Para entonces era frecuente que el público de la sala de conciertos se pusiese en pie al verle entrar, como si se tratara de un personaje de la realeza. Parecía que aquel hombre maltrecho duraría eternamente. El mismo lo creía, al parecer. Cuando tenía 86 años le pidieron que aceptara una invitación para presentarse en el Japón dos años más tarde y él replicó: ¿Pero como voy a saber si el Japón existirá aún dentro de dos años?.

Sin embargo, durante un vuelo a Londres en enero de 1972, Klemperer cayó enfermo y puso fin repentino a sus apariciones en público. No habrá alboroto, anunció un portavoz.

Vista de Zurich, donde vivió y murió Klemperer. Richard Wagner también residió allí.

En realidad, rara vez lo ha habido mayor, los homenajes se sucedían uno tras otro. El maestro se mostraba indiferente y se retiró a Zurich para vivir, atendido por su hija Lotte, en compañía de sus escritores favoritos: Shakespeare, Tolstoi, Goethe. A los dieciochos meses de su bien ganado retiro, Otto Klemperer fallecía.

En la muerte, como en la vida, prevaleció su modestia: dejó instrucciones para que le sepultasen en el ataúd más barato y que en la tumba aparecieran únicamente su nombre y las fechas de su nacimiento y muerte.

Su música fue su epitafio.

Más información sobre Otto Klemperer.

Beethoven, Sinfonía nº 9 - Otto Klemperer dirige la Orquesta Philarmonia de Londres.

Directores famosos: Otto Klemperer ( 1 )

2008-11-11T19:13:00.004+01:00

El prestigioso escritor Maurice Shadbolt es autor de este artículo, publicado en una revista en el año 1976.

Llamémosle un milagro de la música. Viena, destruída por la guerra, era en 1947 una ciudad de rostros hambrientos, ropas raídas y estraperlistas. Cierta noche, ante el andrajoso y descorazonado público asistente a una sala de conciertos, un hombre de 62 años de edad, maltrecho pero entero, avanzó trabajosamente hasta el podio del director. Y acto seguido surgió la música.

¡ Y qué música! La oleada de sonidos, bellos, precisos, transfiguró al auditorio. Los hombres se ponían en pie arrebatados por un entusiasmo delirante. Las mujeres lloraban de júbilo y los apláusos resonaban por toda la sala. No obstante, el anciano director apenas se inmutó, hundido al parecer en sus profundidades interiores, mientras la chispa divina de su genio musical inflamaba a Viena.

Aquel mago de la música era Otto Klemperer. Y no es que tuviese aspecto de hechicero, por el contrario, su rostro demacrado, su extenuada contextura de 1,95 metros, sus ojos febriles le hacían parecer más bien un lúgrube testimonio del exilio, del sufrimiento físico y de la angustia mental. Torpe de movimientos, se expresaba con unos ojos de mirada intensa, reveladora de su genio interior, de su entrega a la perfección. Fue uno de los más grandes directores de orquesta de nuestro tiempo; logró sobrevivir a los conflictos de este siglo e interpretó para el mundo a un vasto repertorio de compositores, tanto modernos como clásicos, (desde Mahler hasta Mozart, desde Bruckner hasta Beethoven), en cuya música supo hallar valores que nadie había escuchado antes.

Nacido en 1885 en Breslau, (Baja Silesia, Polonia), a Klemperer no le fue fácil encontrar el camino de la música. Sus padres ,aunque aficionados a ella, eran pobres. Otto, desmañado e increíblemente propenso a los accidentes, era judío en una época de antisemitismo generalizado. Pero, al sentarse al piano, el muchacho descubría que nada de eso importaba. Allí, frente al teclado, superaba su torpeza con una concentración que impresionaba a cuantos le conocían, entre ellos al pariente que sufragó su educación musical.

El joven Otto aspiraba a seguir la carrera de pianista, pero al presentarse al público le inundaba tal sudor nervioso que los dedos le resbalaban sobre las teclas del piano. De manera que el muchacho de veinte años hubo de conformarse con el empleo de acompañante al servicio del virtuoso director Oscar Fried. Sin embargo, cuando después de una función de Orfeo en los infiernos, de Offenbach, Fried tuvo un altercado con la soprano, Max Reinhardt, el empresario, declaró: "¡Muy bien! ¡Dirigirá Klemperer!".

El Rudolfinum (Gran sala de Conciertos) de Praga.

El joven dirigió Orfeo cincuenta veces y con creciente maestría. Durante este período Klemperer se ganó la admiración del compositor austríaco Gustav Mahler, por recomendación del cual se le abrieron las puertas de Praga, primero, y después de Hamburgo, donde un periódico se refirió a él como un meteoro en el horizonte musical. Entre sus triunfos se contaron las óperas Rigoletto y Carmen, en las que cantó el famoso tenor Enrico Caruso.

Cuando Klemperer tenía veintiseis años sufrió una crisis nerviosa, pues la dolorosa verdad es que era un enfermo maníaco-depresivo. Se aisló durante un año para consagrarse al estudio: el trabajo era su única medicina. Escudriñando las partituras de Wagner, de Richard Strauss y Mozart, escuchando la música en su oído mental, logró salir del pozo en que había caído. Posteriormente diría que aquel año, durante el cual acrecentó su repertorio y ahondó sus conocimientos, fue el más decisivo de su existencia.

Retornó de lleno a la vida y a la actividad musical. Mientras trabajaba en Colonia (Alemania), conoció a la soprano Johanna Geissler y se casó con ella; con el tiempo el matrimonio tuvo dos hijos: Werner (el actor) y Lotte.

Otto Klemperer y Johanna Geissler

Pero la oportunidad de distinguirse realmente en el campo de la música contemporánea no se le presentó hasta 1927, cuando Klemperer teía 42 años de edad. Nombrado director de la nueva Compañía de Opera Kroll, de Berlín, supo darle el aire de un ininterrumpido festival musical. Obras célebres como Carmen y Don Giovanni renacieron con decorados y vestuario modernos (Klemperer ponía tanto interés en la escenografía como en la música misma). Operas nuevas, tales como Erwartung, de Arnold Schonberg y Desde un campo de concentración, de Leos Janácek, asombraron y escandalizaron a la vez a los cirscunspectos berlineses. Los cuatro años que Klemperer pasó con la Compañía Kroll fueron los más fecundos en la historia de la ópera del siglo XX.

El Kroll Theater de Berlín

En 1931 la crisis económica y las sospechas políticas motivaron la clausura del Teatro Kroll. Poco después los nacionalsocialistas asumían el poder y empezaron a destituir a los judíos de los cargos públicos. Klemperer fue denunciado, con tenaz saña, como "un hombre cuya concepción del mundo va contra el pensamiento y el sentimiento alemanes". Dejando tras de sí una orden de arresto, y con sus propiedades ya confiscadas, huyó de Alemania con su familia y empezó a peregrinar por el mundo.

Viena, Los Angeles, Nueva York, fueron las primeras de muchas ciudades en que se presentó. De 1933 a 1939 dirigió la Filarmónica de los Angeles, pero sufrió una desilusión cuando se le pasó por alto para el cargo de director titular de la Filarmónica de Nueva York.

Siguieron años sombríos de enfermedades y de relativa oscuridad. En 1938 empezó a sufrir trastornos del equilibrio y le diagnosticaron un tumor cerebral que podía ser fatal. Después de operado, Klemperer quedó parcialmente paralítico: la mano derecha, rígida, no podía sostener ya la batuta. Este nuevo golpe agravó sus accesos de depresión.

Los más grandes directores de la época, reunidos durante una cena en Berlín el año 1929.

De izquierda a derecha: Bruno Walter, A.Toscanini, Erich Kleiber, Otto Klemperer y Wilhelm Furtwängler.

Finaliza el próximo capítulo.

Wagner, Der fligende Holländer, overture. Philharmonia Orchestra. 24,25-02-1960

Johann Strauss: Die Fledermaus ( 2 )

2009-12-21T18:20:00.013+01:00

La obra se estructura en dieciseis números musicales cerrados, entre los que se va intercalando el diálogo, que en la práctica teatral se entremezcla con toda suerte de "morcillas" musicales y textuales para adecuarla al gusto del momento.
Entre los insertos de "El murciélago" se encuentran, por ejemplo, citas en clave humorística de otras óperas y operetas. También es tradición incluir unas cuantas sorpresas como parte de la fiesta del segundo acto, cuando el champán va haciendo efecto. Entre ellas se cuenta la interpretación de polkas o valses del propio Johann Strauss en las que participa el cuerpo de baile del teatro e incluso los mismos personajes de la comedia, y es frecuente que los fastos se coronen en los grandes teatros con la intervención de alguna figura no anunciada de especial relevancia: un aria de ópera u opereta, o una canción popular cantada por un famoso tenor o soprano.

ACTO I

Una habitación en la casa de Eisenstein. A través de la ventana se oye una voz que canta amor a Rosalinde, la señora de la casa, casada con Gabriel von Einsestein. La voz pertenece a su antiguo pretendiente Alfred, desolado por su reciente matrimonio. Aparece tarareando en escena Adele, la doncella, que ha recibido una carta de su hermana Ida, invitándola a la fiesta que dará esa noche el joven príncipe Orlofsky en su villa. Entra Rosalinde preguntando si ha regresado su marido. La doncella rompe en sollozos y se lamenta de que su pobre tía está enferma, y dice tener que ir a verla con urgencia. Rosalinde se niega a dejarla ir: su marido tendrá esa misma tarde que ir a prisión a cumplir cinco días de arresto por pelearse con un guardia en plena calle. En ese momento entra Alfred en la casa. Ella le detiene asegurando que es una mujer casada, y le pide que se vaya. Alfred sólo aceptará si ella promete recibirle una vez que su esposo se haya ido. Rosalinde consiente y Alfred se marcha encantado.

Entra Eisenstein discutiendo con su abogado tartamudo, el Dr. Blind, por cuya ineficiencia habrá de cumplir ocho días de arresto en vez de cinco. Adele anuncia la visita del Dr. Falke, amigo de correrías de Eisenstein. Cuando Rosalinde desaparece de la habitación Falke desvela el verdadero propósito de su visita: viene a inviarle al baile que da en su casa el prícipe Orlofsky. Su esposa no tiene por qué enterarse. Eisenstein acepta casi enseguida la jugosa invitación. Ambos bailotean alegremente cuando entra Rosalinde, que se sorprende de su comportamiento. Eisenstein se retira a su habitación a vesirse y Falke se despide. En previsión de la visita de Alfred, Rosalinde le dice a Adele que ha decidido darle la tarde libre. Eisenstein reaparece vestido con su frac ante el pasmo de su esposa y su doncella. Los tres se despiden entre sí con aparente tristeza.

Entra Alfred, que toma posesión de inmediato de la casa,vistiéndose con el batín de Eisenstein, e invita a su amada con una canción a que beba con él. Rosalinde, vencida por su voz, se une a la música. Sorprendiendo a ambos en medio de su alegre dúo Entra Frank, el director de la prisión que viene a escoltar personalmente a Eisenstein a su "retiro". Rosalinde, azorada, reponde que su marido no está en casa. Alfred sigue canturreando alegremente, e invita con la mism canción a Frank a que beba con ellos. Frank, quien ha deducido que el alegre personaje debe de ser Eisenstein, se une a la canción. Rosalinde está avergonzada, e implora a Alfred con susurros que debe aparentar ser su marido. Rosalinde se dirige a Frank asegurando que el hombre con el que ha sido sorprendida en una actitud tan cotidiana no puede ser otro que su marido. Frank que no puede perder tiempo porque ha sido invitado a una fiesta, se apresura a partir con su preso.

ACTO II

En la villa del príncipe Orlofsky. Una alegre algarabía preside la fiesta que da el príncipe Alexander Orlofsky, que parece acompañado por el Dr. Falke. Éste promete a su ilustre amfitrión que hoy podrá reir a placer: le ha preparado un entretenimiento de primera magnitud, "La venganza del murciélago". Llega Adele a la fiesta, ataviada con un vestido robado del armario de su señora, a encontrarse con su hermana Ida, quien asegura no haberle enviado invitación alguna. Ida presenta a su hermana al príncipe como la señorita Olga, prometedora artista. El príncipe les da una billetera llena de dinero para que se lo jueguen. Falke revela que "Olga" es en realidad la doméstica del héroe de la historia.

El mayordomo del príncipe, Iván, anuncia la llegada del marqués Renard, que no es otro que Eisenstein bajo la falsa identidad de un noble francés. Orlofsky invita a Eisenstein a beber con él un vaso de vodka. En ese momento regresan Ida y Adele, que ya han dilapidado todo el dinero del príncipe. Eisenstein, sorprendido de encontrarse con Adele, le pregunta si siempre ha sido la "señorita Olga". Orlofsky anuncia a la concurrencia que el marqués ha confundido a una de las invitadas con su doncella. Todos ríen y Adele comenta lo gracioso de la situación.

Ivan, el mayordomo, anuncia la llegada del caballero Chagrin, que en realidad es el director Frank. Orlofsky celebra que dos compatriotas franceses se encuentresn en su fiesta. Frank y Eisenstein, que conocen apenas unas palabras de francés, se saludan amistosamente. Falke anuncia al príncipe que aún queda por llegar una condesa húngara que aparecerá enmascarada. Todos pasan a la estancia contigua. La misteriosa condesa es Rosalinde, advertida por Falke de que su marido ha ido a pasar la noche de juerga en la fiesta del príncipe. Eisenstein queda prendado de la misteriosa dama y decide utilizar su talismán infalible, su reloj musical, para seducirla. Ella decide entrar en el juego y acaba arrebatándole el reloj.

Vuelve Falke con el príncipe y los invitados, y la fingida condesa canta unas csárdás de su tierra para demostrar que es una auténtica húngara. El príncipe aplaude entusiasmado y afirma que el Dr. Falke iene reservado un chiste para la ocasión sobre un murciélago. Eisensein, partido de risa, dice que sólo él puede contarlo: una madrugada en que Falke y él regresaban de una farra nocturna, él disfrazado de mariposa y Falke de murciélago, lo dejó abandonado bajo un árbol, teniendo que regresar a casa a pleno día, expuesto a las chanzas del populacho. Desde entonces todos le conocen como el "Doctor Murciélago". Llaman a la cena y comienzan los entretenimientos, los brindis y los bailes. Tras el desenfreno, el príncipe pide orden y dan las seis de la madrugada. Frank y Eisenstein piden sus sombreros con mucha prisa: ambos tienen que llegar pronto a la prisión.

ACTO III

Entra el carcelero Frosch, que aprovechando la ausencia de su jefe ha bebido más de la cuenta, y oyendo la voz de Alfred desde la celda pide silencio. Aparece el director, vestido aún de traje y tambaleándose con una terrible resaca. Vuelve Frosch diciendo que hay dos damas en la puerta que preguntan por él. Son Adele y su hermana, que vienen a confesarle a Frank su verdadera identidad. Éste promete ayudar a Adele en su carrera artística. Frosch anuncia ahora la llegada de un caballero, y el director ordena al primero que oculte a las damas en una de las celdas. El recién llegado es Eisenstein, que viene a ingresar en prisión. Al encontrarse, Frank y él se saludan como viejos amigos. Frank se ve obligado a confesar que en realidad es el director de la cárcel y no el caballero Chagrin. El supuesto marqués, divertido, le revela a su vez que es Gabriel von Eisenstein. Frank se rie abiertamente: él mismo arrestó a Eisenstein en su propia casa el día anterior.

Llega Blind el abogado tartamudo y Eisenstein traza un plan: se disfraza con sus ropas para interrogar al sujeto que se hizo pasar por él. Frosch anuncia la llegada de Rosalinde y saca a Alfred de su celda. Eisenstein disfrazado interpela a Alfred y a su esposa, tratando de esclarecer lo ocurrido. Rosalinde dice que su marido ha pasado la noche de juerga con otras mujeres y que quiere el divorcio. Eisenstein, furioso, se da a conocer, afirmando ser él a quien han deshonrado. Rosalinde saca el reloj musical de Eisenstein como prueba.
Entonces aparecen en la puerta todos los invitados del baile riendo alegremente: todo ha sido una broma. Eisenstein, dispuesto a cumplir su arresto, cree en verdad que todo se ha preparado para reirse a su costa y pide perdón a su mujer: "La culpa la tuvo el champán". La venganza del murcielago se ha cumplido.

Selección de vídeos de "El Murciélago" (Die Fledermaus) de Johann Strauss II

Johannes Brahms - 175 Aniversario (2)

2008-05-19T22:02:00.007+02:00

Brahms en 1861 cuando tenía 28 años.

Brahms y los Schumann

Aunque provisto de una carta de presentación, Brahms dejó pasar unos meses antes de emprender el viaje a Düsseldorff. Un hecho acaecido algún tiempo antes le hacía vacilar. Durante una gira de conciertos los Schumann habían pasado por Hamburgo. En aquella ocasión, Brahms había enviado al maestro algunas composiciones suyas para que las examinara. El sobre le había sido devuelto sin abrir. Por fin, Brahms logró decidirse y el 1 de Octubre de 1853, llamó a la puerta de la casa Schumann.

Una fotografía de la ciudad de Düsseldorff

El primer encuentro de Brahms con el matrimonio Schumann se desarrolló de forma muy distinta de como había ocurrido con Liszt. Como distinta era la alegre casa de la Vilkerstrasse, llema de voces de niños y de música, de la suntuosa mansión de Liszt en Weimar. Sentándose al piano, Brahms tocó su Sonata en do mayor; bastó el primer movimiento para que Schumann, entusiasmado, llamara precipitadamente a Clara: "Ven rápido! ¡Es un genio!"

La misma palabra había empleado Schumann para calificar a Chopin que no se lo agradeció.

Con Brahms las cosas fueron distintas. Entre los tres nació una verdadera amistad basada sobre el entendimento espiritual; fue como si los tres se completaran recíprocamente. Pero, ¿Fue solamente amistad lo que Johannes sintió para Clara? Una ojeada a la nutrida correspondencia que los unió a lo largo de todas sus vidas demuestra que fue amor, un amor puro y desinteresado, el sentimiento que Clara inspiró a Brahms.

Los Schumann: Clara y Robert

En cuanto Schumann, no quiso demorarse en imponer a la atención del mundo musical alemán aquel que, según palabras de Joseph Joachim, era "un nuevo astro en el firmamento musical". El 28 de octubre escribió: "Pensaba que, un día, se presentaría de improviso alguien llamado a manifestar de forma ideal la más alta expresión de su tiempo, alguien que nos daría la perfección magistral, no a través del desarrollo gradual de su ingenio, sino de golpes, como Minerva cuando salió enteramente armada de la cabeza del Crónida. Y esta sangre joven, cuya cuna vigilaron las Gracias y los Héroes, llegó. Su nombre es Johannes Brahms; llegó de Hamburgo donde componía en un silencio oscuro, pero sobre el cual vigilaban Gracias y Héroes. Se inspira en las formas más difíciles del arte. En su persona se veían todas las señales que nos anuncia: he aquí a un elegido...".

Tales apasionadas frases pertenecen a un famoso artículo titulado Nuevos Caminos que fue al mismo tiempo la presentación de Brahms y la despedida de Schumann, ya que fue el último artículo que publicó en la revista "Neue Zeitschift für Musik".

Joseph Joachim, gran violinista y amigo de Brahms. Su influencia fue importante en la vida y obra del compositor.

Primeras obras

¿Cuales eran, en aquel momento, las obras de Brahms que tanto entusiasmaron a Schumann?

Antes que nada sus tres sonatas para piano, sus opus 1, 2 y 5 respectivamente en do mayor, fa sostenido menor y fa mayor. Son tres obras de amplias dimensiones que demuestran la capacidad de su autor de construir vastas arquitecturas. En otra parte del artículo citado, Schumann las definió "sinfonías veladas". Y era precisamente una sinfonía lo que Robert y Clara esperaban de Brahms, sin embargo sus obras siguientes fueron tres colecciones de lieder (los op. 3, 6 y 7) primera contibución del compositor a un género muy adecuado para quien se había nutrido de poesía en sus primeros años. Tras los lieder vendrían las variaciones, una forma musical particularmente querida por Brahms y en la cual sobresaldría como nadie. Su primer ensayo fueron las "Pequeñas variaciones" sobre un tema de Schumann. Más adelante Brahms volvería a este género con dos obras importantes, la "Variaciones sobre un tema de Paganini" op. 35 y las "Variaciones sobre un tema de Haendel" op. 24 cuya poderosa fuga final se inspira directamente en modelos barrocos.

El castillo de Detmold

Brahms en Detmold

En 1856 Schumann murió. Brahms se quedó algún tiempo en Düsseldorff junto a Clara, pero al año siguiente aceptó un puesto en la corte del príncipe de Lippe en Detmold. En aquella pequeña ciudad de Westfalia, entre 1857 y 1859 Brahms se familiarizó con la música de Haydn y descubrió la antigua música alemana que caló muy hondo en él. Tuvo además sus primeros contactos efectivos con la orquesta e hizo sus primeras armas como compositor para esta agrupación. De aquellos tiempos datan la "Serenata en re mayor" op. 11 y la "Serenata en la mayor" op. l6, ambas escritas en la sencilla forma de suite. En Detmold existía además un pequeño coro al que proporcionar un repertorio. Para este conjunto y para otro de Hamburgo compuesto sólo por damas (el servicio en Detmold permitía a Brahms de hacerse cargo también del conjunto hamburgués) Brahms compuso varias piezas de música sacra inspiradas en modelos del pasado y otras de música profana que, en cambio, son de contenido y contornos románticos.

Una vista de Detmold, que posée muy bellos paisajes

En 1859, Brahms abandonó Detmold pensando de establecerse nuevamente en Hamburgo. Esperaba obtener la dirección de la Singakademie hecho que le hubiera permitido quedarse cerca de sus padres cuyas relacones no marchaban bien. Desgraciadamente tales deseos no pudieron realizarse ya que la plaza fue concedida a un amigo del compositor, Julius Stokhausen. Desilusionado Brahms se trasladó en 1862 a Viena y fue la Singakademie de esta ciudad quien le ofreció el puesto de director. Fue sin embargo un cargo efímero ya que en 1864, Brahms se dio cuenta de que podía vivir, aunque sin lujos, de los beneficios de sus ediciones y de su actividad concertística y decidió convertirse en un profesional libre. Entre tanto sus padres se habían separado definitivamente creando una situación difícil para el compositor que tuvo que mantenerlos en casas separadas hasta que en febrero de 1865 su madre murió.

Otro bonito paisaje de Detmold

Continuará en el tercer capítulo.

A continuación vemos a Jessie Norman cantando el lieder de Johannes Brahms titulado: "Geistliches Wiegenlied"

Y ahora una verdadera joya: el Concierto nº 2 para piano y orquesta de Brahms interpretado maravillosamente por un joven Mauricio Pollini junto a la orquesta Filarmónica de Viena, todos dirigidos por Claudio Abbado. Es una grabación realizada en 1976 en el Musikverein.

(Esto es una lista de reproducción, se puede escuchar el concierto completo o bien elegir alguno de los seis vídeos que lo componen con el segundo botón a la zquierda).

NOTA: Los vídeos 4 y 5 que corresponden al "andante" parece que hay un problema para verlos. Los demás se ven bien.

2008-12-31T23:59:00.005+01:00

Feliz Año Nuevo - Bon Any Nou-

Happy New Year

Pequeño Concierto de Año Nuevo con valses de Johann Strauss

2008-12-20T08:28:00.004+01:00

Feliz Navidad - Bon Nadal -

Merry Christmas

Pintura de Fray Filippo Lippi

Johann Strauss: Die Fledermaus ( 1 )

2009-12-18T18:59:00.022+01:00

Johann Strauss II era el rey indiscutible de la música de baile en la corte vienesa del Emperador Francisco José. A pesar de su gran popularidad como compositor de valses no se había sentido nunca inclinado a la creación de una obra para la escena. Según parece, fue Jacques Offenbach, alemán de nacimiento y afincado en París como señor de la opereta francesa, quien durante una visita a Viena en 1865, recomendó a Strauss hijo que se dedicara a la composición de operetas.

Los teatros autriacos, cansados de depender de las comedias musicales importadas de Francia cuyos derechos a pagar eran enormes, requerían con urgencia que un compositor de Austria dedicara sus esfuerzos a la escena lírica ligera. Pero fue la primera esposa de Strauss, la mezzosoprano Henrietta "Jetty" Treffz quién, con evidente instinto comercial, convenció finalmente al músico de lo provechoso del asunto.

Su primera opereta fue Die Lustigen Weiber von Wien (Las alegres comadres de Viena) escrita en 1868 y que no llegó a estrenarse. Más adelante compuso Indigo und die vierzig Räuber (Índigo y los cuarenta ladrones, (sobre temas orientales de Las mil y una noches) y Der Karneval in Rom (Carnaval en Roma) que se estrenaron con cierto éxito en 1871 y 1873 respectivamente.

El libreto de Die Fledermaus (El murciélago) fue redactado por Carl Haffner y Richard Genée sobre dos fuentes, un exitoso vodevil francés de Henri Meilhac y Ludovic Halévy, frecuentes libretistas de Offenbahc, titulado Le Réveillion (La Nochebuena) y por otro una obra de teatro alemana, Das Gefàngnis (La prisión) de Julius Roderich Benedix.

El director del famoso Teather an der Wien, el húngaro Max Steiner, había adquirido los derechos de la obra francesa por una considerable suma de dinero, sin ocurrírsele que tal vez el Arzobispo de Viena pondría reparos a que se escenificara una comedia en la que se celebraba un extravagante baile en Nochebuena, víspera de la Natividad del Señor. El editor Gustav Lewy, amigo de Steiner, aconsejó: "Cambia la acción a cualquier otro día del año y dale el libreto a Strauss". Se hizo de esta manera y el compositor quedó entusiasmado con el texto. La historia, probablemente apócrifa, cuenta que bastaron seis semanas de retiro en su casa de las afueras de la ciudad, para que Strauss concluyera la partitura de la que habría de ser su obra más importante.

Die Fledermaus (El Murciélago) se estrenó triunfalmente el 5 de Abril de 1874, en el famoso Teather an der Wien, donde también habían estrenado obras Beethoven y Schubert.
Ciertamente el texto es de una calidad deslumbrante para el género, y bajo la pátina superficial del entretenimiento ligero y alegre podemos descubrir todo un comentario crítico con la alta burguesía de la época.
Resulta sorprendente que, mientras en otros países los tiempos se rigieran por un estricto código moral en lo que respecta a los roles sociaes y sexuales, la corte vienesa permitiera la exhibición pública de una comedia en la que se celebra de manera tan abierta la libertad sexual "Chacun à son goût!", los entretenimientos lúdicos, la "bella chispa divina" del alcohol y la "joie de vivre". Es escasamente imaginable que una obra semejante, a no ser que se hubiera tamizado hasta lo irreconocible en la censura, se representara, por ejemplo, en la contemporánea Inglaterra de la reina Victoria o en la España de la Restauración.

Para empezar, Rosalinde, en apariencia la abnegada esposa de Gabriel von Eisenstein, ofrece tan sólo una débil resistencia a la tentación de Alfred, su antiguo pretendiente, que sabe derretirla con el solo timbre de su voz. Aunque con tal de guardar las apariencias no tiene reparo en instarle a hacerse pasar por su marido cuando el director de la prisión, Frank, les sorprende en pleno tête-à-tête, en el momento en que viene a llevarse a Eisenstein para que cumpla su arresto de ocho días por desacato a la autoridad.

Eisenstein, por su parte, es un conocido juerguista que alardea tranquilamente ante sus amistades de las innumerables conquistas (ciertas o nó)) que su infalible talismán -su reloj musical de bolsillo- le ha propiciado. Pero sus chanzas le van a costar caras, y su amigo el socarrón Dr. Falke planea su venganza por la ocasión en que, regresando de una correría carnavalesca, Eisenstein vestido de mariposa y él de murciélago, lo dejó abandonado por la mañana medio borracho en medio del campo, teniendo que buscar el camino a casa a pleno día agitando las alas postizas por toda la ciudad, sufriendo las burlas de chiquilos y paseantes.

Para llevar a cabo la "venganza del murciélago", Falke reunirá en casa del príncipe Orlofsky a Frank el director de la prisión donde Eisenstein debía haber ingresado a cáusa de un incidente, a Adele la doncella de su casa y como guinda al pastel a su propia esposa, Rosalinde, que con una máscara se hace pasar por una enigmática condesa húngara y con la cual Eisenstein, sin reconocerla, flirtéa toda la noche.

La fiesta del segundo acto ocupa un espacio central en la obra en el que todo se torna apariencia y todo puede suceder. Eisenstein es el marqués Renard, el director Frank es el caballero Chagrin ¡gran ironía!, Adele se transforma en la glamurosa señorita Olga y Rosalinde engaña a todos con su máscara. La fiesta se celebra en casa del príncipe Orlofsky, una suerte de play boy pionero, un noble joven y rico que se aburre con sus millones y ha olvidado cómo réir.

El plan del Dr. Falke, empapado en el alegre champán , "el rey de los vinos", y arrebatado por la confusión del baile, culminará con éxito absoluto a la mañana siguiente en la prisión, donde todas las apariencias -o casi - se disolverán en una escena colectiva de reconocimiento. Eisenstein, que se había hecho pasar por el abogado Blind para interrogar a su propia esposa y al tenor Alfred, a quien cree su amante -¡qué irónico que el adúltero se enfurezca porque le paguen en su misma moneda!-, tendrá que cumplir sus ocho días en prisión: la venganza del murciélago se ha llevado a feliz término.

La música es tan deslumbrante como el texto, si no más, y resulta de una alegría chispeante desde la misma obertura, conocidísima pieza tocada con frecuencia en concierto, que recoge los temas musicales fundamentales del resto de la obra. Estos, evidentemente, están inspirados en el mundo de los valses, las polkas y la música ligera. (Continúa)

Obertura de "Die Fledermaus". Orquesta Filarmónica de Viena. Director Carlos Kleiber

El Ballet: Scherezade ( 2 )

2009-12-12T09:22:00.004+01:00

Inmediatamente, el rey mandó que el pregonero divulgase la orden de marcha. Los soldados salieron con sus tiendas fuera de la ciudad. El rey marchó también, se ocultó en su tienda y dijo a sus jóvenes esclavos: "¡Que nadie entre!" Luego se disfrazó, salió a hurtadillas y se dirigió al palacio. Llegó a los aposentos de su hermano, y se asomó a la ventana que daba al jardín. Apenas había pasado una hora, cuando salieron las esclavas, rodeando a su señora, y tras ellas los esclavos. E hicieron cuanto había contado Schahzaman.

En este momento empieza la acción del ballet Scherezade. El Rey Schahzaman ha relatado sus cuitas a su hermano. Ambos traman una celada. Mandan que los cuernos de caza anuncien la partida de una alegre y vistosa comitiva.
Aparecen las mujeres de Schahriar. Las más hermosas favoritas del harem solicitan sus favores, pero Schahriar decide partir, sin hacer caso de las mujeres, que quedan solas en escena.
Esperan a que el sonido de los cuernos de caza se pierdan a lo lejos. Entonces la favorita va en busca del jefe de los eunucos y le pide que abra la puerta del jardín. Él se resiste, pues tal cosa es contraria a su deber, pero finalmente cede a las súplicas de las mujeres.
El jefe de los eunucos ha abierto la puerta y los esclavos negros, amantes de las mujeres del harem, penetran en la estancia. Aparecen cubiertos de llamativos vestidos de cobre y plata. Al frente de ellos marcha, vestido con ropa de oro, el joven negro que es el predilecto de la reina.

Este boceto y los otros que aparecen en la página son de Bakst para "Scherezade"

Trancurre la noche en una espectacular orgía. La música de Scherezade describe gráficamente el ambiente cálido y violento. Los criados llevan bandejas cargadas de fruta, las odaliscas vino e incienso; las mujeres danzan rítmicamente y los negros también intervienen en la danza. La fiesta aumenta con un torbellino de vestidos espléndidos y de sensuales cuerpos femeninos.
Súbitamente, se abre la puerta y entra Schahriar. No habla, pero muestra su ira en los gestos. Los esclavos emprenden la huída, pero los soldados de Schahriar, que han rodeado el palacio,los van matando, así como a las mujeres del harem.
La reina queda sola enmedio de la escena rodeada de cuerpos inertes, hasta hace poco llenos de vida y pasión. Se lanza a los pies de Schahriar, implorando su piedad, éste parece dudar, pero Schahzaman, su hermano, le muestra al amante muerto de la reina. A Schahriar se le nublan los ojos y da una órden a un soldado.

La reina no sabe como evitar lo que adivina, pero se levanta y en una desesperada huída atraviesa la escena. Ya fuera del alcance de los soldados, descubre un fino estilete, y se atraviesa el corazón. Agonizante, cruza de nuevo la escena, pero no va a abrazar a su amante, sino a morir sumisamente a los pies de su señor.
Entonces Schahriar experimente una sensación profunda de soledad y cubriéndose la cara con las manos, solloza.
Cae el telón, mientras el final del poema expresa la inconsecuente angustia de lo irreparable.

La historia continúa en Las Mil y una Noches:

"Después, persuadido (El Rey Schariar) de que no existía mujer alguna de cuya fidelidad pudiese estar seguro, resolvió desposarse cada noche con una y hacerla degollar apenas alborease el día siguiente. Así estuvo haciendo durante tres años, y todo eran lamentos y voces de horror. Los hombres huían con las hijas que les quedaban.
En esta situación, el rey mandó al visir que, como de costumbre, le trajese una joven. El visir, por más que buscó, no pudo encontrar ninguna, y regresó muy triste a su casa, con el alma transida de miedo ante el furor del rey.
Pero este visir tenía dos hijas de gran hermosura, que poseían todos los encantos, todas las perfecciones y eran de una delicadeza exquisita. La mayor se llamaba Schahrazada, y el nombre de la menor era Doniazada.
Al ver a su padre,la mayor le habló así: "Por qué te veo tan cambiado, soportando un peso abrumador de pesadumbres y aflicciones?... Sabe, padre, que el poeta dice: "¡Oh tú, que te apenas, consuélate! Nada es duradero, toda alegría se desvanece y todo pesar se olvida."

Cuando oyó estas palabras el visir, contó a su hija cuanto había ocurrido desde el principio al fin, concerniente al rey. Entonces le dijo Schahrazada: "Por Alah, padre, cásame con el rey, porque si no me mata seré la causa del rescate de las hijas de los musulmanes y podré salvarlas de entre las manos del rey." Entonces el visir contestó: "¡Por Alah sobre ti! No te expongas nunca a tal peligro." Pero Schahrazada repuso: "Es imprescindible que así lo haga."
"Entonces el visir, sin replicar nada, mandó que preparasen el ajuar de su hija, y marchó a comunicar la nueva al rey Schahríar.
Fue a buscarla después el visir, y se dirigió con ella hacia la morada del rey. El rey se alegró muchísimo al ver a Schahrazada, y preguntó a su padre: "¿Es ésta lo que yo necesito?" Y el visir dijo respetuosamente: "Sí, lo es."
Pero cuando el rey quiso acercarse a la joven, ésta se echó a llorar. Y el rey le dijo: "¿Qué te pasa?" Y ella contestó: "¡Oh rey poderoso, tengo una hermanita, de la cual quisiera despedirme!" El rey mandó buscar a la hermana, y vino Doniazada.
Después empezaron a conversar, Doniazada dijo entonces a Schahrazada: "¡Hermana, por Alah sobre ti! cuéntanos una historia que nos haga pasar la noche." Y Schahrazada contestó: "De buena gana, y como un debido homenaje, si es que me lo permite este rey tan generoso, dotado de tan buenas maneras." El rey, al oír estas palabras, como no tuviese ningún sueño, se prestó de buen grado a escuchar la narración de Schahrazada".

Y durante mil y una noches Scherezade supo mantener el interés del Rey en sus relatos, en ese tiempo tuvo tres hijos con él y finalmente el soberano le perdonó la vida volviendo a confiar en una mujer.

Nijinsky e Ida Rubinstein en "Scherezade"

Scherezade se estrenó en la Opera Garnier de París, el 4 de junio de 1910, en la segunda temporada de los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev. La coreografía era de Fokine y los decorados de Bakst.

Ida Rubinstein interpretó el papel de la reina infiel y Vatzlav Nijinsky fue el esclavo de oro, interpretación con la que obtuvo nuevamente un éxito sensacional. Sus saltos de tigre, su barbarie, evocaban de una manera perfecta el personaje. Entraba de un brinco en escena, como un soberbio animal, se abalanzaba sobre su víctima y arrastrándola consigo realizaba las más alocadas contorsiones.
Scherezade fue sin duda alguna la obra maestra de Bakst. Nunca llegó a expresar tan firmemente sus ideas creadoras como en esta obra, rebasando todo cuanto había producido hasta entonces, gracias a un increíble lujo de colores.

Bakst no utilizó ninguna clase de soporte para los decorados. Todo era pintado, y el color se bastaba para producir una impresión de relieve. En las paredes y el techo del harem se enlazaban motivos de color verde y violeta, surgidos de un tapiz algo más vivo que el rosa, en una mezcla tentadora del más puro cariz oriental.
Todo el conjunto de colores ofrecía una impresión que hablaba a los sentidos y que produjo el efecto inmediato de sumir a los espectadores en un estado de asombro y fascinación.
Sobre el fondo azul destacábanse tres inmensas puertas de plata, de bronce y de azul dorado. Colgaban del techo unas enormes lámparas de Arabia, y todo el escenario aparecía cubierto de grandes almohadones. Los vestidos de Scherezade estaban confecconados de acuerdo con un purísimo estilo persa, y lucían con los más vistosos colores del arte oriental.
Scherezade proporcionó un éxito definitivo a los Ballets Rusos. Desde entonces se convirtió en una pieza imprescindible en el repertorio de cualquier compañía importante de ballet.

Vídeo con un fragmento del ballet "Scherezade"

El Ballet: Scherezade ( 1 )

2009-12-06T18:30:00.018+01:00

En el invierno de 1887, mientras trabajaba en la ópera El Príncipe Igor que Borodin había dejado inacabada, Nikolai Rimsky Korsakov decidió componer una obra orquestal inspirándose en episodios del famoso libro "Las Mil y Una Noches". Durante el verano siguiente se trasladó a la dacha de Glinki-Mavriny, cerca de un lago, y allí terminó la suite sinfónica que llamó "Scherezade". En principio tituló sus cuatro movimientos como Preludio, Balada, Adagio y Final, pero más adelante rectificó los mismos añadiendo alguna descripción y finalmente los borró argumentando que el oyente debía escuchar la música sin relacionar argumento alguno.
En la actualidad se han conservado los títulos originales para señalar los cuatro movimientos:

I El mar y la nave de Simbad
II El príncipe de Kalendar
III El joven príncipe y la joven princesa
IV Festival en Bagdad. El mar. El barco encalla contra un acantilado superado por el Jinete de Bronce.

Rimsky Korsakov además de compositor era oficial de la marina de su pais, Rusia. En sus viajes pudo conocer la milenaria cultura de los lugares de Oriente que visitaba y transcribir sus impresiones en Scherezade, donde además de una bellísima inspiración melódica nos muestra una deslumbrante y colorida orquestación.

La legendaria ciudad de Samarkanda

"Cuéntase que en lo que transcurrió en la antigüedad del tiempo y en lo pasado de la edad, hubo un Rey entre los Reyes de Sassan, en las islas de la India y de la China..."
Con estas palabras empieza el libro de "Las Mil y Una Noches, y con él la historia de Scherezade.
Tenía dos hijos y ambos eran heróicos jinetes; pero el mayor valía aún más que el menor. El mayor reinó en los países, gobernó con justicia entre los hombres, y por eso le querían los habitantes del reino. Llamábase el Rey Schahriar. Su hermano llamado Schahzaman, era Rey de Samarkanda.
Siguiendo las cosas el mismo curso, residieron cada uno en su pais y gobernaron con justicia durante veinte años. Y llegaron ambos hasta el límite del desarrollo y el florecimiento.
No dejaron de ser así, hasta que el mayor sintió vehementes deseos de ver a su hermano. Entonces ordenó a su Visir que partiese y volviese con él. El Visir contestó: Escucho y te obedezco.

El Rey Schahriar, según boceto de Bakst

Partió, pues, y llegó felizmente por la gracia de Alah; entró en casa de Schahzaman, le transmitió la paz, le dijo que el Rey Schahriar deseaba ardientemente verle, y que el objeto de su viaje era invitarle a visitar a su hermano. El Rey Schahzaman contestó: Escucho y obedezco. Dispuso los preparativos de la partida, mandando sacar las tiendas, sus camellos y sus mulos, y que saliesen sus servidores y auxiliares. Nombró a su Visir gobernador del reino y salió hacia las comarcas de su hermano.
Pero a media noche recordó una cosa que había olvidado; volvió a su palacio apresuradamente y encontró a su esposa en brazos de un negro, esclavo entre los esclavos.

Al ver tal cosa, el mundo se oscureció ante sus ojos. Y se dijo: Si ha sobrevenido tal aventura cuando apenas acabo de dejar la ciudad, ¿cual sería la conducta de esta libertina si me ausentase algún tiempo para estar con mi hermano? Desenvainó el alfanje y los acometió a ambos, dejándolos muertos sobre los tapices del lecho. Volvió a salir sin perder una hora ni un instante, y ordenó la marcha de la comitiva. Y viajó de noche, hasta avistar la ciudad de su hermano.
Entonces, éste se alegró de su proximidad, salió a su encuentro, y al recibirlo le deseó la paz. Se regocijó hasta los mayores límites del contento, mandó adornar en honor suyo la ciudad, y se puso a hablarle lleno de efusión. Pero el Rey Schahzaman recordaba la aventura de su esposa, y una nube de tristeza le velaba la faz. Su tez se había puesto pálida y su cuerpo se había debilitado. Al verle de tal modo, el Rey Schahriar creyó en su alma que aquello se debía a haberse alejado de su reino y de su país, y lo dejaba estar sin preguntarle nada.

Al fin, un día, le dijo: Hermano tu cuerpo enflaquece y tu cara amarillea. Y el otro respondió: ¡Ay, hermano, tengo en mi interior como una llaga en carne viva! Pero no le reveló lo que le había ocurrido con su esposa. El Rey Schahriar le dijo: Quisiera que me acompañases a cazar a pie y a caballo, pues así tal vez se esparciera tu espíritu. El Rey Schahzaman no quiso aceptar, y su hermano se fue solo a la cacería.

Había en el palacio unas ventanas que daban al jardín, y habiéndose asomado a una de ellas el Rey Schahzaman, vio como se abría una puerta para dar salidada veinte esclavas y veinte esclavos, entre los cuales avanzaba la mujer del Rey Schahriar en todo el esplendor de su belleza. Súbitamente la mujer del Rey gritó: ¡Oh, Massaud! Y enseguida acudió hacia ella un robusto esclavo negro, que la abrazó. Ella se abrazó también a él, y a tal señal todos los demás esclavos hicieron lo mismo con las mujeres. Y así siguieron largo tiempo, hasta cerca del amanecer.

Al ver aquello, pensó el hermano del Rey: ¡Por Alah! Más ligera es mi calamidad que esta otra. Inmediatamente, dejando que se desvaneciese su aflicción se dijo: En verdad, que esto es más enorme que cuanto me ocurrió a mí. Y desde aquel momento volvió a comer y a beber cuanto pudo.
A todo esto, el Rey, su hermano, volvió de su excursión y ambos se desearon la paz intimamente. Luego el Rey Schahriar observó que su hermano el Rey Schahzaman acababa de recobrar el buen color, pues su semblante había adquirido nueva vida, y advirtió también que comía con toda su alma después de haberse alimentado parcamente en los primeros días. Se asombró de ello, y dijo: Hermano, poco ha te veía amarillo de tez, y ahora has recuperado los colores. Cuéntame qué te pasa.
Entonces el Rey Schahzaman le refirió cuanto había visto.
Y el Rey Schahriar dijo: Ante todo, es necesario que mis ojos vean semejante cosa. Su hermano le respondió: Finge que vas de caza,pero escóndete en mis aposentos, y serás testigo del espectáculo: tus ojos lo comprobarán. (Continúa)

"Scherezade" de Rimsky Korsakov. Orquesta de Filadelfia, director Eugene Ormandy

Tchaikovsky: Francesca da Rimini

2009-11-21T20:23:00.007+01:00

Guido de Polenta (Italia) fue gobernante de Rávena en los años 1275-1290. En agradecimiento a la ayuda recibida de los Malatesta de Rímini y por razones políticas concertó el matrimonio de su hija Francesca, cuando ésta tenía diecisiete años, con Giovanni Malatesta de mayor edad.
Algún tiempo después, Francesca y Paolo el hermano menor de su marido que también era casado, se enamoraron y convirtieron en amantes. Cuando Giovanni descubrió la relación que ambos mantenían dio muerte a los dos y el crimen causó gran conmoción en toda la región. Su trágica historia fue inmortalizada por el poeta italiano Dante en su grandiosa obra "La Divina Comedia".

El drama de Francesca y Paolo inspiró obras literarias como un poema de Gabriele D'Annuncio, cuadros de pintores conocidos como Ingres, Blake, Cabanel y Rossetti , y los compositores Thomas, Rachmaninov y Zandonai entre otros, escribieron óperas sobre este tema.

Pyotr Tchaikovsky escribió en otoño de 1876 una obra titulada "Francesca da Rimini, Fantasía sinfónica después de Dante", que compuso en menos de tres semanas durante una visita a Bayreuth. En ella puede apreciarse la influencia de Franz Liszt autor de obras de inspiración parecida como su Sonata Aprés une lecture de Dante y su Sinfonía Dante.
Con estremecedor dramatismo Tchaikovsky nos describe el segundo círculo del Infierno que describe Dante, pasa después a una lírica y hermosa melodía expresión del desgraciado amor de Francesca y Paolo y concluye su poema sinfónico con la culminación de la tragedia que descarga en una tormenta de pasiones sobre los tres protagonistas.

La Divina Comedia, canto V. El poeta Dante visita el infierno guiado por Virgilio.

Dante:

"Luego se empezaron a oir voces plañideras y llegué a un sitio donde me estremecieron grandes gemidos. Penetrábamos en un lugar que no tenía luz y rugía como el mar tempestuoso cuando está combatido por vientos contrarios. La tromba infernal que no se detiene nunca envuelve en su torbellino a los espíritus, los hace dar vueltas continuamente, los hiere y los molesta; cuando se encuentran ante su soplo se producen los gritos, los llantos, los lamentos y las blasfemias contra la virtud divina".

"Supe que estaban condenados a semejante tormento los pecadores carnales que sometieron su razón a sus lascivos apetitos; de la misma forma que los estorninos vuelan en grandes y compactas bandadas en la estación de los fríos, así aquel torbellino arrastra a los espíritus malvados acá, allá, arriba, abajo, sin que éston tengan nunca la esperanza de gozar de un momento de reposo ni de que su pena se aminore. Y del mismo modo que las grullas lanzando sus tristes acentos forman todas una prolongada hilera en el aire, así también ví venir exhalando gemidos, a las sombras arrastradas por aquella tromba".

Cuando oí a mi sabio nombrar a las antiguas damas y caballeros me sentí lleno de piedad y quedé como aturdido. Empecé a decir:

-Poeta, quisiera hablar a aquellas dos almas que van juntas y que parecen tan ligeras porque van impelidas por el viento.
Y él (Virgilio) me contestó:
-Espera que estén más cerca de nosotros y entonces pídeles que por el amor que las conduce que se dirijan hacia tí.
Tan pronto como el viento las impulsó hacia nosotros alcé la voz diciendo:
-Oh, almas atormentadas, venid a hablarnos si otro no se opone a ello.

"Como dos palomas excitadas por sus deseos, se dirigen con las alas abiertas y firmes hacia el dulce nido, llevadas en el aire por una misma voluntad, de esta manera salieron aquellas dos almas de entre la multitud, dirigiéndos hacia nosotros a través del aire malsano atraídas por mi fuerte y afectuoso llamamiento".

Francesca:

"¡Oh, ser gracioso y benigno que vienes a visitarnos en medio de este aire negruzco, a nosotros que teñimos el mundo de sangre, si fuéramos amados por el rey del universo le rogaríamos por tu tranquilidad, ya que te compadeces de nuestro acerbo dolor! Todo cuanto te plazca oir y decir te lo diremos y escucharemos con gusto, mientras continúe el viento tan tranquilo como ahora. La tierra donde nací está situada en la costa donde desemboca el Po con todos sus afluentes para descansar en el mar. Amor, que se apodera pronto de un corazón gentil, unió éste a aquel hermoso cuerpo que me fue arrebatado y siento aún el dolor que me causó tan inesperado golpe. Amor, que no dispensa de amar al que es amado, hizo que me entregara tan vivamente al placer de que se embriagaba éste, que, como ves, no me abandona nunca. Amor nos condujo a la muerte. Caín espera al que nos arrancó la vida".

Tales fueron las palabras de las dos sombras.
Al oir a aquellas almas heridas bajé la cabeza y la tuve inclinada tanto tiempo, que el poeta me preguntó:
-¿En qué piensas?
-¡Ah! -exclamé al contestarle-, cuántos dulces pensamientos, cuántos deseos los han conducido a este doloroso lugar.
Después me dirigí hacia ellos diciendo:
-Francisca, tus desgracias me hacen derramar tristes y compasivas lágrimas. Pero dime: cuando lanzabais los dulces suspiros, ¿como os permitió Amor conocer vuestros inciertos deseos?

Ella me contestó:

"No hay mayor dolor que acordarse del tiempo feliz en la desgracia; y eso lo sabe bien tu Maestro. Pero si tienes tanto deseo de conocer cual fue el principal orígen de nuestro amor, haré como el que habla y llora a la vez. Leíamos un día por pasatiempo las aventuras de Lancelote y el modo como cayó en las redes del amor, estábamos solos y sin abrigar sospecha alguna. Aquella lectura hizo que nuestros ojos se buscaran muchas veces y que palideciera nuestro semblante, mas un solo pasaje fue el que decidió nuestra suerte. Cuando leímos que la deseada sonrisa de la amada fue interrumpida por el beso del amante, éste, que jamás se separará de mí, me besó tembloroso en la boca; el libro y quien lo escribió fue para nosotros otro Galehaut: aquel día ya no leímos más".

"Mientras un alma decía esto, la otra lloraba de tal modo que, lleno de compasión, yo desfallecía como si muriera y caía como cae un cuerpo sin vida".

Tchaikovsky: Francesca da Rimini, Fantasía Afther Dante.

Tchaikovsky's Francesca da Rimini. "Teresa Carreño" Youth Symphony Orchestra, Manuel López Gómez (Conductor). Caracas-Venezuela 19/11/07 (Vídeos de ManuelConductor)

Mozart: Concierto piano nº 25

2009-11-28T18:23:00.001+01:00

W.A. Mozart puso punto final a su Concierto nº 25 K 503 el día cuatro de diciembre de 1786, y se ejecutó por vez primera muy probablemente la noche siguiente en el Viennese Casino un local de su amigo Johann Trattner. Al parecer, repitió el concierto en varias ocasiones y existe la evidencia de que Beethoven lo eligió en 1795 para una de sus primeras actuaciones como solista en Viena.

La tonalidad -Do mayor- y la orquesta escogida: cuerdas, flauta, 2 oboes, 2 fagotes, 2 trompetas, 2 trompas y timbal, responden a un plan preconcebido de conseguir una obra amplia, serena, de una belleza imperturbable y a menudo grandiosa.

Esta intención se ve reforzada definitivamente por dos elementos decisivos: la elección del material motivador y la planificación general del concierto. En la elección de los temas Mozart busca y consigue magistralmente la diversidad dentro de una unidad de conjunto.

En cuanto a la planificación general, el compositor salzburgués integra los tres movimientos en un todo reconocible como tal. Cada movimiento es una manera distinta de contribuir a un mismo y único fin. La cohesión es un objetivo primordial para Mozart en este K. 503.

Piano de Mozart en el museo Mozart de París

Esta cohesión se consigue en el primer movimiento "Allegro maestoso" de una manera profundamente original e ingeniosa: a base de una figura fundamental o motivo celular de cuatro notas -apenas un simple ritmo- que configura esencialmente tanto el primer tema como el segundo, bien que ambos sean entre sí netamente diferenciables.

Si todo en este K. 503 presenta afinidades más que inmediatas con la Sinfonía Júpiter -identidad de ambiente, de punto de partida, de actitud compositiva, de objetivos-éstas se refuerzan al máximo en el curso del bello, sereno Andante central, lleno de una luz clara, tranquila subrayada por la radiante tonalidad de Fa mayor. Es el movimiento de contextura más sinfónica de los tres. La peculiar y muy cuidada escritura para para los instrumentos de madera nos recuerdan viejas épocas mozartianas. Sin embargo, el papel de este Andante -a pesar de su forma de sonata binaria facilmente identificable- no es el de contraste con los dos movimientos extremos, como en el Concierto K. 491 (inmediatamente anterior a éste y complementario del mismo), sino el de contribuir a esa "unidad de atmósfera" a la que antes se hacia alusión.

Monumento a Mozart en Viena

A menudo los Rondós finales de los conciertos de Mozart revisten el carácter de divertimentos alegres, chispeantes, desenfadados, episódicos, que sirven para aligerar, para desfogar un poco todo el bagaje expresivo y dialéctico que llevan consigo los dos primeros movimientos. Nada de esto ocurre aquí. Mozart propone una página de serenidad olímpica -una vez más la serenidad de atmósfera- y gran envergadura musical.

Nada hay en este Rondó de "pequeña forma". Todo lo contrario, Mozart culmina aquí el proceso iniciado en el "Allegro" y lo hace por la vía de la semejanza, no del contraste. Para ello estructura un movimiento con amplios y solemnes pedales -los más largos que Mozart escribiera en sus conciertos pianísticos- que convierten el discurso más en una gavota, danza lenta y mayestática, que en un rondó ligero e incisivo al uso.

El abandono de la forma sonata permite renunciar aún más a una dinámica conflictiva o, al menos, contrastada. La cohesión de lo sosegadamente bello acaba por ser definitivamente consagrada. Por eso este concierto produce una sensación anímico-artística comparable al perfecto y equilibrado clasicismo, clasicismo impregnado de grandeza cual una escultura griega.

W.A. Mozart, Concierto en Do mayor nº 25 (K. 503) para piano y orquesta.

Johannes Brahms - 175 Aniversario (4)

2008-05-05T19:27:00.004+02:00

Monumento a Brahms en Viena

Obras de gran envergadura

Los cinco años que separan las dos series de sinfonías fueron particularmente fecundos. Brahms compuso entonces sus obras de mayor envergadura, el Concierto para violín y orquesta (1878) una de las obras cumbres de la literatura violinística, el monumental Segundo Concierto para piano y orquesta (1881), la Obertura para una fiesta académica,, la Obertura Trágica y alguna de las Danzas Húngaras. A esta obras sinfónicas se añade la Primera Sonata para violín y piano op. 78, llamada Regensonate, de las otras dos sonatas para violín y piano, la Segunda op. 100 nació en 1885 durante un feliz verano transcurrido junto al lago de Thun, mientras que la Tercera op. 108, de atmósfera muy distinta, es de 1888.

Muy copiosa ha sido la producción de Brahms en cuanto a la música vocal a lo largo de toda su vida. Comprende varias colecciones de Lieder, coros a cappella, coros mixtos, coros para voces de mujer y de hombre, cuartetos, dúos y dos obras mayores: el ya citado Réquiem Alemán y Rinaldo, una composición , dramática en cinco cuadros.

Johannes Brahms fotografiado en su estudio

Brahms vivió consagrado a su arte

Desde que decidió ser un músico libre, la existencia de Brahms fue la de un hombre completamente dedicado a su arte. Tras el éxito del Réquiem Alemán en 1868, su situación económica se consolidó llegando a ser muy holgada en los años siguientes. Entre 1871 y 1874, Brahms dirigió las temporadas de conciertos de la Sociedad de los Amigos de la Música en Viena
influyendo grandemente sobre el gusto musical vienés.

Después del fallido noviazgo con Agathe von Siebold, Brahms tuvo otros amores de poca duración. El más serio fue el que le inspiró la hija de Schumann, Julia, cuya mano pidió en 1869 ( él tenía 36 años) siendo rechazado. Otro amor de Brahms fue la jovencísima y encantadora Elisabeth Stockhausen. En aquella ocasión, sin embargo, el compositor no se decidió a declararse y la muchacha se convirtió pronto en condesa von Herzogenberg. Estos interludios sentimentales turbaron sólo fugázmente la tranquila y laboriosa existencia de Brahms, cuyas grandes realizaciones le procuraron varios reconocimientos oficiales. En 1877, la Universidad de Cambridge le nombró Doctor Honoris Causa, la de Breslau hizo lo mismo en 1881. Poco después fue nombrado miembro de la Academia de Bellas Artes de Berlín y en 1886 de la de París.

En 1891, se declararon casi imperceptiblemente los primeros síntomas de la enfermedad que le llevaría a la tumba, un cáncer de hígado. Brahms, sin hacer mucho caso, siguió llevando su vida habitual y componiendo. Tras el bellísimo trío para violín, violoncelo y piano op. 101 escrito en 1886, produjo otras admirables obras de cámara: El Quinteto de cuerda op. 111 en sol mayor, el Trío op. 114 y el Quinteto op. 115 ambos con clarinete. Su última composición vocal serán los "Cuatro cantos serios" op. 121 para bajo y piano, una obra de inspiración bíblica, su verdadero despido de la vida. Sin embargo, Brahms, artista alemán por excelencia, cerraría su existencia con una obra digna de de Bach y del gran arte alemán barroco, los espléndidos Preludios-Corales para órgano op. 122.

"Desde lo más profundo de mi corazón, mis más afectuosos deseos van hacia tí". Con estas palabras enviadas en mayo de 1896, en ocasión del cumpleaños de Johannes, Clara Schumann se despidió de su fiel amigo. Unos días más tarde, Julia Schumann escribiría a Brahms: "Hoy nuestra madre se ha dormido tranquilamente".

Con la misma serenidad, el compositor terminaría su vida el 3 de Abril de 1897.

Los restos de Brahms descansan en Viena

Kathleen Battle interpreta un fragmento del Requiem Alemán de Brahms, el titulado: "Ihr habt nun Traurigkeit..."

Sinfonía nº 3 en Fa Mayor, op. 90, tercer movimiento "Poco Allegretto"

Concierto para violín en Re Mayor, op. 77. Henryk Szering violín, Orquesta de la Sociedad de Conciertos de París, dirige Paul Paray. Es una grabación de 1962.

(Esto es una lista de reproducción, se puede escuchar la obra completa o elegir uno de los tres vídeos que lo componen: 1er movto. 2º y tercero. Si se interrumpe el enlace y sale el mensaje "I am sorry...", pulsando de nuevo se restablece la conexión con youtube).

Jan Sibelius: Tapiola

2009-11-04T18:01:00.004+01:00

Poema Sinfónico es una composición musical que a diferencia de la sinfonía o el concierto, consta generalmente de un sólo movimiento y el autor puede inspirarse más libremente al escribir su obra, basándose en referencias literarias y poéticas, como Tchaikovsky con Romeo y Julieta, descriptivas como Smétana con el ciclo Mi Patria (Má vlast) y también introspectivas como Richard Strauss en su Vida de Héroe.

El genial Franz Liszt fue el primero en utilizar este título y por tanto se puede decir que tuvo su orígen en el período romántico de la música. Los Preludios, Mazeppa, fueron algunas de sus famosas obras para este nuevo género musical.

Algunos son obras breves, como la famosa Danza Macabra de Saint-Saens y otros de grandes proporciones como Pelléas y Melisandre de Schoenberg. Casi todos los grandes compositores han escrito famosas obras de este género y la lista de ellas sería muy extensa.

Tapiola no fue solamente el último poema sinfónico compuesto por Sibelius, sino también su última obra de grandes proporciones. Fue escrita por encargo del director de orquesta norteamericano Walter Damrosch (a quien está dedicada), que fue quien dirigió la primera ejecución con la Orquesta Sinfónica (hoy Filarmónica) de Nueva York, el 26 de diciembre de 1926. Este concierto también incluía el Concierto en Fa de Gershwin, en el cual el compositor actuaba como solista.

Sin lugar a dudas Tapiola es uno de los mayores logros de Sibelius; se trata de una vasta pieza monotemática firmemente enraizada en la tonalidad de si menor. Su tema son los bosques de Finlandia y su título deriva de Tapio, el dios motológico de los bosques del poema épico nacional finlandés Kalevala. Haciendo uso de una orquesta de vastas proporciones, Sibelius evoca el poder, el misterio y las mágicas cualidades de aquellos inmensos bosques. Con singulares efectos orquestales, particularmente con la cuerda dividida, imponente utilización de los instrumentos que integran la madera y el metal, además de un hábil empleo de las fermatas, Tapiola emerge como una música sin igual en el repertorio orquestal.

En su intensa concentración y economía existen paralelismos con la magistral, si bien austera, Cuarta Sinfonía. Por su enorme fuerza e imaginativa intensidad, Tapiola sólo puede ser comparada, dentro de la producción del compositor,con la Séptima Sinfonía, la cual le precede en un año. Aquí hallamos la más elevada inspiración, así como una monumental visión, aparentemente alcanzadas a través de significados musicales básicos y en manos de un verdadero maestro. Tapiola es una de las obras cumbres de la música del siglo XX. Como poema sinfónico justifica plenamente la aplicación del adjetivo "único". Encabezando la partitura, Sibelius ha escrito cuatro líneas, a instancias de su editor, mediante las cuales explica explica el significado del título y nos permite percibir un destello de su imaginación:

"Esparcidos por doquier se hallan los oscuros bosques de los países del Norte

Arcaicos, misteriosos sueños, palpitantes de salvajismo

En ellos habita el poderoso dios de los Bosques

Y los duendes del bosque traman en la oscuridad mágicos hehizos".

Jan Sibelius, Tapiola

Franz Schubert: Nacido para la música ( 1 )

2008-10-25T18:06:00.003+02:00

Este año se cumple el 180 aniversario de la muerte de uno de los músicos más amados por el público: Franz Schubert. Es por ello que reproducimos aquí de nuevo un artículo de Jordi Cervelló, publicado en la revista "Algo" en Septiembre de 1978

"Como músico, Schubert vino al mundo en el momento justo". Estas palabras son del musicólogo Alfred Einstein, gran estudioso de la obra del compositor vienés. Schubert, en efecto, supo comprender y asimilar la herencia de Beethoven y transmitirla a los compositores que le siguieron, enriquecida por su personal aportación; pero, al mismo tiempo, supo restablecer los lazos con el pasado, con la tradición de Haydn y Mozart, que parecían comprometidos en los primeros años del siglo XIX. Por su respeto a las formas musicales, Schubert es un clásico, pero la novedad de su lenguaje y el carácter de su música hacen de él un romántico.
La infancia de Schubert fue feliz. Nació en Viena, en el suburbio de Lichtental, el 31 de enero de 1797, de Franz Theodor Schubert y de Elizabeth Vietz. Theodor Schubert, de origen campesino, era maestro de escuela y había ejercido su profesión en Nendorf, su pueblo natal en Moravia, hasta 1784 año en que se estableció en Viena. De su matrimonio con Elizabeth Vietz, celebrado el 17 de enero de 1785, nacieron catorce hijos (Franz era el número doce) de los que sólo cinco alcanzaron la edad adulta.

La casa natal de Schubert

Entre las obligaciones de un maestro de escuela austríaco, en los siglos XIII y XIX , estaba la enseñanza de la música; Theodor Schubert fue, así, el primer maestro de su hijo Franz también por lo que a la música se refiere. Al cumplir éste los ocho años, empezó a darle clases de violín, maravillándose por sus dotes excepcionales. Cuando comprendió que poco podía ya enseñarle, lo confió a Michael Holzer, maestro del coro en la iglesia parroquial de Lichtental. A los pocos días de iniciar sus lecciones, el nuevo maestro, muy emocionado, aseguraba que nunca había tenido un alunno tan dotado y decía: "Cuando quiero enseñarle algo nuevo, me doy cuenta de que ya lo sabe...Todo lo ha aprendido directamente de Dios". El hecho de que Theodor no intentara explotar la dotes de su hijo en provecho propio, sin duda dice mucho en favor de su inteligencia y rectitud.

Vista del patio interior de la casa; al fondo, la puerta principal.
El apartamento de Schubert estaba en la primera planta, a la izquierda, y se llegaba por un pasillo al aire libre. Consistía en una cocina ahumada y un cuarto con vista de la calle. Schubert vivió allí de 1797 a 1801.

En 1808, a los once años, Franz que tenía una bonita voz de soprano, fue admitido por concurso entre los niños cantores de la Capilla Imperial que estudiaban y residían en el "Stadtkonvikt", colegio muncipal, escuela preparatoria para la Universidad.

El Konvikt se encontraba en el centro de Viena, instalado en un antiguo colegio de los Jesuitas; había sido clausurado por el Emperador José II y fue abierto de nuevo por Francisco II, bajo la dirección de los Hermanos Piaristas.

Desde los doce hasta los diecisiete años Schubert estuvo interno en el Konvikt. En los primeros tiempos, añoró sin duda la casa paterna, llena de amor y serenidad, pero pronto supo conquistarse la amistad de sus compañeros y de todos los maestros y se le hizo má fácil soportar la severa disciplina del instituto. En realidad los años pasados en el Konvikt fueron felices para Schubert y muy importantes para su formación, ya que cursó los estudios secundarios que refinaron su sensibilidad y aumentaron su inclinación por la poesía, pudiendo además seguir y profundizar los estudios musicales. Estudiaba canto, música instrumental y de cámara y composición. Uno de sus maestros fue el célebre Salieri, rival de Mozart y maestro de Beethoven.

Retrato de Franz Schubert a los diecisiete años

El Konvikt tenía una orquesta formada únicamente por alumnos y dirigida por Wenzel Ruziczka. Todas las tardes esta orquesta daba un pequeño concierto; se ejecutaba una sinfonía precedida y seguida por otra pieza musical. Los autores que más se interpretaban eran Mozart y Haydn, pero también Cherubini y las primeras obras de Beethoven. Franz Schubert fue, en breve tiempo, primer violín de la orquesta, más adelante compuso algunas obras para la misma y en varias ocasiones sustituyó a Ruziczka en la dirección. A estas ejecuciones no asistía público, porque tenían como única finalidad el estudio, pero en verano las ventanas estaban abiertas y varias personas se reunían en la Plaza de los Jesuitas para escuchar; tanto fue el interés despertado, que un comerciante de la zona se dedicó a alquilar sillas para este público improvisado.

En los años de colegio Schubert se entregó a la composición con una asiduidad cada vez mayor. Joseph von Spaun, compañero y gran amigo suyo durante toda su vida, nos ha dejado en sus memorias un testimonio de estos primeros ensayos del jovencísimo músico: "A petición mía, me tocó un Minuetto compuesto por él; estaba rojo de vergüenza y atemorizado, pero mis aplausos le tranquilizaron. Me confesó que muchas veces ponía música a sus pensamientos, pero que su padre no debía saberlo, porque no quería que se dedicase a la música. Yo le proporcionaba el papel pautado que necesitaba."

De la producción de Schubert en estos primeros años, muy pocas páginas han llegado hasta nosotros, la primera, cronológicamente hablando, es una fantasía a cuatro manos escrita en abril de 1810, cuando el músico no había cumplido aún los trece años. Su biógrafo Einstein define así esta singular composición: "Tiene el sabor de una travesura realizada sobre el teclado del piano con un compañero" y observa que es muy significativo el hecho de que Schubert empiece su labor de compositor con una pieza a cuatro manos, ya que el tocar así en un instrumento se puede considerar un símbolo de amistad. En efecto, todas las composiciones de Schubert en esta modalidad están dedicadas a amigos y unas variaciones a cuatro manos fue la obra que dedicó a Beethoven, al que tanto admiraba. En los años siguientes las composiciones se multiplican: una segunda fantasía a cuatro manos, un cuarteto en sol, otro en do mayor, una obertura para la orquesta del colegio, algunas páginas de música religiosa y un grupo de cuatro lieder, primer núcleo de lo que será uno de los tesoros del arte schubertiano.

Continuará

A continuación podemos oir las siguientes obras de Schubert: Ave María (Pavarotti) Impromptu opus 90, nº 4 (Rubinstein) Lieder "Bliss" (E. Schwarzkopf) Serenata (Orquesta) Momento musical nº 3 (Horowitz) Lieder Margarita a la rueca(G. Janowitz)

Franz Schubert, Fantasia opus 103

Directores famosos: Leopold Stokowski ( 1 )

2008-09-05T18:38:00.001+02:00

Buscando entre libros y revistas antiguas he hallado un artículo que creo interesante y por esto deseo compartirlo aquí, rescatándolo del sueño que ha dormido hasta hoy.

Inolvidable Leopold Stokowski

Por André Kostelanetz

Damas y caballeros elegantemente vestidos se habían congregado en el Metropolitan Opera de Nueva York para asistir a la reposición de Turandot, de Puccini. Reinaba gran expectación. Los principales intérpretes eran las sopranos Birgit Nilsson y Anna Moffo y el tenor Franco Corelli. Y mi amigo Leopold Stokowski iba a dirigir por primera vez en aquel famoso escenario.

Las luces se atenuaron lentamente y Stokowski salió a ocupar su puesto apoyado en un par de muletas. El auditorio rompió a aplaudir, el maestro llegó al estrado y se volvió hacia el público para agradecer las entusiastas aclamaciones. Inmediatamente, entregó las muletas a su ayudante y tomó asiento sobre un alto taburete.

Aún me parece verlo, aquella noche de febrero de 1961. La impresión que habían causado las muletas se desvaneció a medida que Stokowski extendía los brazos con vigor, suave y urgentemente, y de la orquesta salían las gloriosas notas de aquel drama lírico. La música tiene la virtud de hacer brotar ocultas fuentes de vitalidad y de entusiasmo. Y esa noche prestó a Stokowski , que entonces contaba 78 años de edad, la energía y el entusiasmo de un joven.
Al acabar la representación fui a los vestuarios con el propósito de felicitarle por su magnífica ejecución. El se limitó a decir: ¡Qué música tan hermosa! Yo no podía dejar de pensar en el gran valor y la enorme voluntad que había desplegado. En diciembre se había fracturado la cabeza del fémur en su apartamento. Después de haberse sometido a una operación quirúrgica, en vez de cancelar la representación en el Metropolitan Opera, se pasó todo el tiempo que permaneció en el hospital estudiando una y otra vez la partitura de Puccini. Para Stokowski nada era imposible.

Figura rutilante.

Durante toda su vida, Leopold Stokowski fue brillante e imprevisible: siempre hizo las cosas a su manera. En su juventud fue un hombre de elevada estatura y bien parecido. Se le conocía como "el joven astro de la batuta". Un día, al marcar un movimiento especialmente enérgico, la batuta se le rompió. A partir de entonces sólo usó las manos, que convirtió en largos y expresivos "instrumentos" que junto a sus dorados cabellos y a sus ojos de color azul porcelana, fueron su distintivo personal.

En 1912, a la edad de treinta años, ocupó la dirección de la Orquesta Sinfónica de Filadelfia, hasta entonces un conjunto mediocre, y en menos de diez años la convirtió en una de las grandes orquestas de la historia.
Mucho se ha escrito de la habilidad de Stokowski para dotar a la orquesta que dirigía de un sonido caracerístico y exuberante, henchido de energía y de ardor. Pero la grandeza de Stokowski se puede explicar con una sola palabra: genio. Cierta vez, al ensayar con la orquesta La Consagración de la Primavera, de Stravinsky, mandó parar a los músicos durante un pasaje. No he oído el cuarto trombón, declaró. Y era cierto. El encargado de las partituras se había olvidado de sacar la del cuarto trombón y éste tocaba la del tercero.

Aventurero

Leopold y yo vivimos durante doce años en el mismo edificio. Los balcones de nuestros pisos quedaban contiguos y desde ellos conversábamos con frecuencia. No era un hombre abierto, pero tampoco frío. Le disgustaba la charla ociosa y el chismorreo. Prefería hablar de compositores, de artistas, de ejecutantes y de orquestas.

La hermosa ciudad de Filadelfia es el mayor centro histórico, cultural y artístico en los Estados Unidos

Una vez discutíamos sobre el arte de la composición y comentó: "Te diré que la más hermosa de las bellas artes es vivir". Y, efectivamente, su vida fue una encarnación fiel de su filosofía. Sentía interés por todo, desde la política hasta la electrónica. Fue un auténtico aventurero, animado de una curiosidad insaciable y de una constante disposición a probar todo lo nuevo.

En una época en la que el público sólo esperaba oir los tradicionales compases de un Bach, un Mozart, un Beethoven y otros maestros consagrados, Stokowski insistía en dar a conocer obras de nuevos compositores. Solía decir: "El apego a la tradición, es una forma de pereza". Actualmente son ya parte del repertorio sinfónico normal alrededor de cien composiciones que Stokowski fue el primero en dar a conocer a sus públicos. Esta labor de precursor le convirtió en el personaje más controvertido e interesante de los medios musicales. Los públicos de Leopold no siempre supieron apreciar sus esfuerzos. En 1919 presentó ante los melómanos de Filadelfia el Poema del éxtasis de Aleksandr Scriabin; muchos de los oyentes se levantaron y abandonaron la sala. Fue él quien en 1922, estrenó en los Estados Unidos La consagración de la primavera de Stravinsky. Leopold, quien desde el principio de su carrera adquirió la costumbre de dirigirse al público antes de un concierto, dijo entonces a los asistentes: "Con franqueza, no creo que esto les guste a ustedes al escucharlo por primera vez". Y así fue, en efecto.

El interés que mi amigo mostraba por las obras nuevas era equiparable al que sentía por la juventud. A principios del decenio de 1920, fue el primer director de fama en ofrecer conciertos periódicos para los chicos menores de doce años, que salían encantados con su sencillez y buen humor. Cuando presentó El carnaval de los animales, de Saint-Saëns, llevó al escenario bestias vivas, entre ellas crías de elefante. Cuando dirigió Pedro y el lobo de Prokofiev, un perro enorme ocupó el lugar del lobo.

Durante mucho tiempo soñó con integrar una orquesta sinfónica de jóvenes músicos estadounidenses. En 1940, pocos años después de haber dejado la dirección de la Orquesta Sinfónica de Filadelfia, su sueño se convirtió en realidad al fundar la Orquesta Juvenil Norteamericana. Años después, Leopold organizó (y ayudó a sufragar los gastos con sus propios recursos) la Orquesta Sinfónica Norteamericana, para ofrecer a los jóvenes, especialmente a mujeres y a músicos de raza negra, la oportunidad de tocar. Todavía hoy, cuando dirijo una orquesta, me encuentro a menudo con músicos graduados de la Orquesta Norteamericana, algunos de los cuales se ha convertido en destacados maestros.

Finaliza en el próximo capítulo.

"Preludio a la siesta de un fauno", de Claude Debussy.

Leopold Stokowski ,a los 90 años, dirige la Orquesta Sinfónica de Londres.

Grabación 14-06-1972 en el Royal Festival hall.

Schubert: Rosamunda ( 2 )

2009-10-24T20:13:00.003+02:00

Números que forman la obra completa "Rosamunda" de Franz Schubert

-Obertura
-Entreacto después del Acto I - Allegro molto moderato
-Ballet Allegro moderato - Andante un poco assai
-Entreacto después del Acto 2º - Andante
-Romanza Brilla la luna llena - Der Vollmont strahlt
-Coro de Espíritus - Adagio
-Entreacto después del Acto 3 - Andantino
-Pastoral - Andante
-Coro de los Pastores - Allegretto
-Coro de los Cazadores - Allegro moderato
-Ballet - Andantino

La así llamada Obertura de Rosamunda no tiene en realidad conexión alguna con la pieza de Chezy. Esta página fue escrita como obertura de El arpa mágica, una pieza teatral con música que fue producida en el Teatro an der Vien en agosto de 1820, y se basó estrechamente en la Obertura en Re mayor de 1817 (D590). Su posterior asociación con Rosamunda se debió al parecer a un error del editor, pero sea cual fuere la razón, su virtuosismo rivaliza con el resto de la música de Rosamunda. Se trata de una pieza rotundamente "schuberiana", la cual prefigura, a través de su fluyente lirismo y rítmico impulso, posteriores obras maestras del compositor.

De estructura sinfónica y trágico carácter, el Entreacto en si menor se ve dominado por un motivo reiterado de dos compases. Parece sorprendente que Schubert haya podido escribir esta sombría, compacta pieza para destinarla a un entreacto; esta música, teniendo también en cuenta su tonalidad, ha hecho suponer a algunos comentaristas que se hallan ante el final original de la sinfonía Inconclusa. Ciertamente, hay algunos pasajes del entreacto que nos recuerdan a la sinfonía, si bien no llega a alcanzar el nivel de inspiración de aquellos dos magistrales movimientos. La partitura autógrafa lleva la frase Entre Act nach dem I Aufzug (Entreacto después del primer acto).

La música de ballet del Acto II comprende tres secciones. La primera de ellas (Allegro moderato) comienza y finaliza mediante una floritura orquestal al unísono sugiriendo la subida y la bajada del telón. Dentro de este marco se encuadra una animada marcha ceremonial de simétricas frases de ocho compases, basadas sobre un tema previamente utilizado en el entreacto anterior. Viene a continuación una de las más felices invenciones de Schubert, un poético diálogo entre la cuerda y la madera el cual conduce directamente a la tercera sección, un lírico Andante en Sol mayor.

El aria de contralto Der Wellmontstrahlt (Brilla la luna llena) es cantada por Axa, madastra viuda de Rosamunda. Acompañada por la cuerda grave y los instrumentos de soplo, esta sencilla pero atractiva canción comunica dentro de sus reducidos límites, una gran hondura de sentimiento.
A la inversa de Weber, Schubert incluye "cazadoras" en su Coro de los Cazadores, lo cual le permite utilizar en su culminación voces de soprano y de tenor en imitación canónica con una gran efectividad.

El Coro de Pastores, también para voces mixtas, es tan hermoso y fresco como una margarita, y cualquier riesgo de monotonía que pudiera engendrar esta pieza se evita con la inclusión de un intermedio para voces solistas en la subdominante, Mi bemol.
Pero la más impresionante de las piezas corales de Rosamunda es acaso el Coro de los Espíritus para voces masculinas acompañadas sólo por trompas y trombones; es ésta una espléndida pieza atmosférica en la que nos parece escuchar un anticipo de Verdi. Por contraste, la pequeña Pastoral en la que las trompas y los fagotes son utilizados para imitar la rústica gaita, tiene un simple encanto pastoril.

El segundo Entreacto en Re mayor es una solemne marcha que toma prestado su tema al Coro de los Espíritus. El Entreacto en Si bemol y la música de ballet en Sol mayor ponen de relieve el al parecer inagotable lirismo de Schubert, y ambas piezas se cuentan entre las más famosas de sus obras orquestales.

John Reed (Autor de Schubert, los últimos años)

Schubert reutilizó la música de Rosamunda en su Impromtu para piano opus 142 nº 3, en el cual se ejecutan el tema y seis variaciones, y también en su 13º Cuarteto en la menor para cuerdas titulado "Rosamunda", seguramente porqué pensó que la obra teatral no se volvería a escuchar.

De Rosamunda se acostumbra a interpretar en concierto sólo la Obertura, Entreactos y Ballet. Aconsejamos adquirir la obra completa si se quiere comprar el cd.

Rosamunda de Franz Schubert
Videos de Meyerber1

Grandes del piano: Alfred Brendel

2008-03-18T21:22:00.005+01:00

El gran pianista Alfred Brendel ha anunciado su retirada para este año 2008. Creemos que es una buena ocasión para recordar un poco su biografía.

Nace el 5 de Enero de 1931 en la pequeña localidad de Vizmberk, que en la actualidad se llama Loucna nad Desnou (República Checa) hijo único de una familia que no eran músicos y con antepasados austríacos, germanos, italianos y checos. Cuando tenía seis años él y su familia se trasladaron a Zagreb y más adelante a la ciudad de Graz.

La encantadora localidad de Loucna nad Desnou, en la región de Olomuc (República Checa)

Estudió piano y composición hasta la edad de dieciseis, aunque no tuvo una educación musical profunda y regular y se le considera en gran medida un autodidacta. Hacia el final de la segunda guerra mundial, con sólo catorce años, fue mandado a excavar trincheras en el frente, pero al sufrir signos de congelación lo evacuaron a un hospital. Finalizada la guerra continuó tocando el piano, hizo composiciones y se dedicó a la pintura. También recibió lecciones masterclass de Edwin Fischer, Edward Steuermann y Paul Baumgartner.

Su primer concierto en público fue en Graz en 1948 que él tituló "The fugue In Piano Literature" compuesto por obras de Bach, Brahms, Listz y algunas de sus propias composiciones. A pesar de su gran interés hacia la literatura y la pintura, cuando en 1949 ganó el 4º premio en el concurso "Ferruccio Busoni" celebrado en Bolzano, se decidió por la carrera musical. En 1950 se trasladó a Viena y pronto grabó su primer disco: el concierto nº 5 de Prokofiev y otras grabaciones como las sonatas de Beethoven junto a obras de Listz, Brahms, Schubert y Schumann. De Frederic Chopin solamente ha registrado sus famosas polonesas, grabación muy apreciada.
A partir de un concierto dado en el Reina Elizabeth Hall de Londres, tres casas discográficas se interesaron por él, trasladándose a vivir a Hanspstead (Londres) y comenzando una serie de grabaciones que lo darían a conocer por todo el mundo y ser reconocido como un extraordinario pianista.

El Palacio de Buckingham en Londres

Brendel es considerado uno de los intérpretes más serios de la música clásica alemana de autores como Beethoven, Schubert y Mozart. Poco interesado en las obras de autores del siglo pasado, ha hecho una excepción con las obras de Arnold Schoenberg. Su modo de tocar es descrito como musicalmente analítico y cerebral, pero él opina (opinión que compartimos) que el primer deber de un pianista es respetar la voluntad que el compositor tuvo al crear su obra, por encima de un virtusismo excesivo del intérprete, y cita a los pianistas Alfred Cortot, Wilhelm Kempff y a los directores Bruno Walter y Furtwangler como sus influencias en este aspecto.
Ha actuado con las más importantes orquestas de Europa y Estados Unidos y ha recorrido en gira toda Sudamérica, Australia, Nueva Zelanda y Japón. Sus apariciones en Festivales incluyen los de Edinburgo, Aldebourgh, Atenas, Granada, Varsovia, Puerto Rico, Viena y Salzburgo.

Ha impartido clases magistrales en Viena y también ha escrito sobre temas musicales.

Casado dos veces, su primer matrimonio fue de 1960 a 1972 y tuvo una hija llamada Doris. En 1975 volvió a casarse con Irene Semier y tuvieron tres hijos: Adrian (violoncellista), Katharina y Sophie.Tiene actualmente 77 años y desde hace algún tiempo ha dejado de tocar muchas de las piezas que requieren un notable esfuerzo debido a sus problemas de artritis.

Desde aquí le ofrecemos nuestro pequeño homenaje a este gran pianista que admiramos y tendrá para siempre un puesto entre los mejores.

Alfred Brendel nos ofrece una magistral y emotiva interpretación del Impromptu op. 90, nº 3 de Franz Schubert.

A continuación lo podemos ver y escuchar tocando el Concierto nº 3 de Beethoven.

Gwyneth Jones, gran soprano wagneriana

2009-03-20T20:16:00.013+01:00

Gwyneth Jones es una gran cantante de ópera, que brilló especialmente entre 1960 y 1980 aunque su nombre quizá no haya alcanzado tanta popularidad como otras voces famosas .

La primera vez que la escuché cantar fue en la Trilogía de Richard Wagner, emitida por televisión hace ya unos cuantos años. Enseguida me cautivó su voz y su presencia escénica y cuando más adelante la pude admirar en un doble papel como Venus y Elizabeth en la ópera Tännhauser, se convirtió de inmediato en una de mis intérpretes favoritas.

Dos paisajes del País de Gales (Gran Bretaña)

Gwyneth nació el 7 de noviembre de 1936 en Pontnewynydd, en el hermoso País de Gales (Gran Bretaña). Estudió música en el Royal College of Music, de Londres, en la Accademia Musicale Chigiana, de Siena (Italia) y en el International Opera Studio de Zürich.

En 1962 , a los veinticinco años, hizo su debut cantando como mezzo-soprano en la ópera de Gluck "Orfeo y Eurídice" y fue contratada por la Opera de Zürich. Sin embargo, pronto descubrió que su voz poseía suficiente extensión para alcanzar notas altas y cambió su repertorio para soprano, siendo su primer papel importante el personaje de Amelia de Un ballo in maschera, de Verdi.

En 1964 debutó en el Covent Garden de Londres, sustituyendo a Leontyne Price y tras este triunfo su carrera se desarrolló rápidamente. Muy pronto interpretó a los más importantes personajes de las mejores óperas: Aída, Lady Macbeth, Desdémona (en Otello), Elisabeth (en Don Carlo), Leonora (en Fidelio) Donna Anna (en Don Giovanni), Cio-Cio San (en Madama Butterfly) Santuzza (en Cavalleria Rusticana) Medea, Tosca, Octavio (en Der Rosenkavalier).

En 1966 se presentó por vez primera en el santuario wagneriano de Bayreuth. Su éxito le permitió seguir cantando allí por espacio de los diecisiete años siguientes, dando vida a las heroínas del genio alemán.

Su voz fue definida por un crítico como: "Una voz lírica, pastosa, redonda, tabajada de una sola pieza, que en su plenitud gozó de extensión y potencia. Se distinguía por un canto inteligente y sensitivo, un fraseo en que la música, texto e intención componían un conjunto armónico. Una presencia escénica plástica y vital, se sumaba a la personalidad artística de Gwyneth Jones".

Más adelante, Gwyneth cambió a papeles más pesados, como Minnie (en La Fanciulla del West), Chrysothemis (en Electra), Salomé, el Marschallin (en Der Rosenkavalier), Eva (en Die Meistersinger von Nürnberg), Senta (en Der fliegende Holländer), Kundry (en Parsifal), Venus y Elisabeth (en Tannhäuser), Helena (en Die ägyptiche Helena), Ariadne (en Ariadne in Naxos). Sus actuaciones fueron regulares en los mejores teatros: la Opera de París, la Vienna Staat Opera, el Bayerische Staatoper, la Deutsche Oper de Berlín, la Royal Opera House, la Opera de Zurich, el Teatro Colon de Buenos Aires, la Opera de San Francisco... En 1972 debutó en el Metropolitan de Nueva York como Sieglinde (La Walkiria, de Wagner), llegando a cantar en este importante teatro en más de cincuenta ocasiones.

En el año 1976, Gwyneth Jones consiguió la corona a su carrera como cantante al ser Brünnhilde, la protagonista de la Trilogía "El Anillo del Nibelungo" de Wagner, en una controvertida puesta en escena de Patrice Chereau y dirección de Pierre Boulez, que produjo acaloradas críticas y discusiones, pero que con el paso de los años ha resultado ser una creación magistral y de referencia, afortunadamente registrada en DVD y en disco. Sin ninguna duda, son estas obras de Wagner, junto a Tännhauser donde ella consiguió su momento más alto como cantante y actriz, sin menospreciar todas sus grandes creaciones, la lista de las cuales realmente impresiona.

Con el paso del tiempo la voz de Gwyneth acusó cambios, algo por lo demás normal, aunque conservó su gran vigor, fuerza y expresión dramática. Su repertorio entonces fueron obras como Turandot, de Puccini, Tristán e Isolda, de Wagner y Electra, de Richard Strauss, L'incoronazione di Poppea, La viuda alegre, de Lehar y Norma, de Bellini.

Persona dinámica y de carácter, su actividad nunca ha cesado. Actuaciones en radio y series para televisión, recitales de lieder y conciertos, clases magistrales, jurado en concursos vocales. En 2003 fue directora de puesta en escena de la ópera "Der fliegende Holländer" en Weimar (Alemania), y sigue cantando... en 2007 creó el personaje de "Reina de Corazones" en la premier mundial de la ópera "Alicia en el país de las maravillas" de Unsuk Chin que tuvo lugar en Bavarian State Opera. Y en febrero de 2008 cantó el papel de Herodías en la ópera Salomé de Richard Strauss, en el Malmö Opera de Suecia.

Gwyneth Jones ha recibido numerosos reconocimientos musicales y culturales. En 1986 le fue concedido por el gobierno de su país, el título de "Dame" equivalente al de "Sir". En 1983 obtuvo un premio Grammy a su grabación de "El Anillo del Nibelungo". Posée también la Medalla de Honor de Oro de Viena, la Cruz de Honor de 1ª Clase austríaca, el Verdienstkreuz 1ª clase de la República Federal Alemana, el Premio Shapespeare, el Puccini Adward, el Commandeur de L'Ordre des Arts et des Lettres de Francia, es Kammersangerin de la Vienna State Opera y de la Bavarian State Opera y presidenta de la Wagner Society de Gran Bretaña.

Podemos leer aquí una interesante entrevista realizada a la cantante.

En la siguiente lista de vídeos hacemos un recorrido por la carrera Gwyneth Jones escuchándola en las arias de Il Trovatore de Verdi, Fidelio de Beethoven, La viuda alegre de Lehar, Tännhauser y El crepúsculo de los dioses de Wagner, Turandot y Tosca de Puccini y Aida de Verdi

El Festival de Bayreuth ( 2 )

2008-07-19T11:23:00.021+02:00

En la década de 1920, Winifred Wagner (que dirigió el festival tras la muerte de su marido Siegfried en 1930) se convirtió en seguidora y amiga cercana de Adolf Hitler. Gracias a esta amistad, el festival mantuvo su independencia artística durante el Tercer Reich, mientras que otros teatros fueron políticamente instrumentalizados. Irónicamente, Hitler asistió a representaciones que incluían cantantes judíos y extranjeros, mucho después de que se les prohibiera actuar en todos los teatros germanos. La influencia de Winifred sirvió incluso para que Hitler escribiese (a petición de ella) al director anti-fascista italiano Arturo Toscanini, pidiéndole dirigir el festival, a lo cual Toscanini se negó. De 1933 a 1942 el director fue casi siempre Karl Elmendorff.

Precisamente durante el Tercer Reich el festival rompió con la tradición por primera vez, abandonando las deterioradas composiciones del siglo XIX ideadas por Wagner. Hubo muchas protestas, también de prestigiosos directores como Toscanini y Richard Strauss y de familiares del mismo Richard Wagner. Para muchos, cualquier cambio era una profanación de la herencia dejada por "El Maestro" (Wagner). A pesar de todo, Hitler aprobó los cambios, facilitando el camino a posteriores innovaciones que se darían en las próximas décadas.
Los bombardeos aliados destruyeron alrededor de dos tercios de Bayreuth, aunque afortunadamente el teatro quedó intacto. Al terminar la guerra, Winifred Wagner se vio obligada a dejar la dirección del festival acusada de colaboracionismo con el partido y el régimen nazi. Los activos del Festival de Bayreuth y su dirección recayeron en sus dos hijos, Wolfgang y Wieland. Las representaciones se reanudaron en 1951 después de un periodo en el que sirvió de teatro para soldados norteamericanos.

La casa de Richard Wagner en Bayreuth. La llamó "Wahnfried"

Bajo la dirección de Wieland Wagner, el "Nuevo Bayreuth" se envolvió en una nueva era, revolucionaria en muchos aspectos. Quedaron atrás todos los elaborados decorados naturalistas, que dejaron paso a nuevos montajes de corte minimalista. En comparación, los cambios de entreguerras parecían insípidos y convencionales. Por primera vez en su historia, el público abucheó al finalizar las representaciones. Wieland fue especialmente criticado por la producción de Die Meistersinger de 1956. Muchos críticos conservadores lo vieron como una humillación de lo que era "sacra tradición germánica".
Wieland defendía los cambios como un intento de crear un "escenario invisible" que permitiría a la audiencia experimentar todos los aspectos psicosociales del drama sin las distracciones de los elaborados decorados. También se ha especulado con que desnudando las obras de Wagner de sus elementos históricos y germánicos, Wieland intentaba distanciar el festival de su pasado nacionalista y crear nuevas producciones con un atractivo universal. Con el tiempo, muchos críticos llegaron a apreciar la belleza única de las reinterpretaciones que Wieland hizo de las obras de su abuelo.

Wagner sentado al piano y Luis II detrás escuchando

Las innovaciones de Wieland dieron lugar a comparaciones con las que en su día introdujo su hermano Wolfgang, que fueron unánimemente tachadas de poco inspiradas por la crítica. Si las de Wieland eran radicales, las de Wolfgang eran "regresivas". Aunque minimalista en principio, los montajes de Wieland resucitaron muchos de los elementos románticos y naturalistas de las producciones pretéritas. Así, la prematura muerte de Wieland en 1966, dejó a muchos con dudas sobre el futuro del festival. Se empezó a cuestionar la hegemonía de Bayreuth sobre el resto de óperas alemanas, y se llegó a sugerir que se trasladaran producciones nuevas y más interesantes a otras ciudades.
El Nuevo Bayreuth fue una época que brilló especialmente por un alto nivel canoro y directorial nunca visto, con directores de la talla de Hans Knappertsbusch, Wolfgang Sawallisch, André Cluytens, Clemenss Krauss, Joseph Keilberth o Herbert von Karajan y cantantes épicos como Wolfgang Windgassen, Jon Vickers, Astrid Varnay, Birgit Nilsson, Martha Mödl, Hans Hotter, Gustav Neidlinger, Hermann Uhde, George London o Josef Greindl.
En 1973, superado por abrumadores críticas y disputas familiares, el festival y sus activos fueron transferidos a una recién creada Fundación Richard Wagner, cuyo consejo de dirección incluía a miembros de la familia Wagner además de otros nombrados por el estado. Wolfgang Wagner conservó la presidencia de la administración; su idoneidad para el cargo nunca ha sido cuestionada.

La sala del Festspielhaus posée una acústica y carácterísticas excepcionales y se asemeja a los antiguos teatros griegos.

Mientras Wolfgang Wagner continuaba administrando el festival, a principios de los setenta, la producción de las obras pasó a manos de una serie de nuevos directores, que Wolfgang bautizó Werkstatt Bayreuth (El taller de Bayreuth). La producción más exítosa del Werkstatt Bayreuth fue el Ciclo centenario del Anillo, bajo la dirección del francés Patrice Chereau. Chereau utilizó un montaje del S.XIX renovado, siguiendo la interpretación de George Bernard Shaw, que veía El Anillo como una obra de carácter social sobre la explotación de la clase obrera por los ricos capitalistas del S.XIX. La audiencia se vio dividida entre aquellos que consideraron la obra una ofensa y aquellos que la consideraron como el mejor ciclo del Anillo jamás producido. La polémica no tenía precedentes en la historia del festival. Las actuaciones por el contrario, fueron aclamadas como una de las mejores jamás vistas en la historia de la ópera.

Otros grandes directores que participaron en el Werkstatt Bayreuth fueron Jean-Pierre Ponnelle de la Ópera de París, Sir Peter Hall de la Royal Shakespeare Company y la pareja formada por Götz Friedrich y Harry Kupfer, ambos de la Ópera Estatal de Berlín en la antigua RDA. Finalmente, la decisión de Wolfgang de rejuvenecer Bayreuth con directores experimentales ha restablecido sin duda la reputación del festival como el líder mundial en la ópera wagneriana.
El festival sigue bajo la dirección de Wolfgang Wagner, que no renunció a ello a pesar del apoyo de los 21 miembros del Consejo de directores a su primogénita Eva Wagner-Pasquier en 2001. Wagner planea traspasar la dirección a su segunda hija, Katharina, y a su segunda mujer, Gudrun.
A pesar de las luchas internas por su control, el festival sigue atrayendo miles de visitantes cada verano. La demanda (unas 500.000 peticiones) supera con creces la oferta (60.000 entradas); el tiempo de espera es de entre 5 y 10 años, con ciertas excepciones para donantes del Festival, mecenas famosos del mismo y entusiastas del Maestro.

Fuente: Wikipedia

Ver a través de Internet

Coincidiendo con el cambio generacional en la dirección del Festival, Bayreuth apuesta este año fuerte por hacer llegar la obra de Wagner al mayor número de personas posible. Puesto que las entradas al teatro del festival son limitadas y se han de solicitar con años de antelación, la dirección de Bayreuth ha optado por retransmitir uno de sus dramas en directo, ofreciendo dos opciones diferentes.
La primera de ellas es la retransmisión de la obra en la plaza mayor de Bayreuth en una pantalla gigante, y con miles de sillas para que los aficionados pueden presenciar la representación de forma totalmente gratuita.
La segunda opción llegará a los hogares de todo el mundo a través de Internet, ya que Los Maestros Cantores podrá verse online previo pago de 49 euros. Para aquellos aficionados wagnerianos con distinta zona horaria, la grabación estará disponible para ser descargada desde la propia web: http://live.bayreuther-festspiele.de/

La grabación de la obra saldrá comercialmente en DVD a finales de año.
También estará disponible a través de iTunes y de forma gratuita el making of de la grabación y el día a día de los Festivales.

Escuchar por la radio

Como todos los veranos Radio Clásica de Radio Nacional de España retransmitirá en directo la primera función de todas las representaciones, audición que podrá seguirse a través de Internet a todo el mundo.

Mas información sobre el Festival de Bayreuth 2009 en Wagnermanía

A continuación podemos ver los siguientes vídeos:

Cheryl Studer en Lohengrin, Bayreuth 1991.
Bayreuth 1976, producción famosa de Pierre Boulez y Patrice Chereau: El Oro del Rhin; final de La Walkiria; Sigfried "murmullos de la selva".
Final de Parsifal año 1998, dirigida por G. Sinopoli.

Una Violeta olvidada: Virginia Zeani

2008-03-17T20:26:00.005+01:00

Hubo una vez hace cincuenta años, otra Angela Gheorghiu, cantante también rumana tan o más famosa que ella y una intérprete inolvidable de la ópera de Verdi "La Traviata", a la que sólo la gigantesca figura de María Callas pudo hacer sombra.

Su verdadero nombre era Virginia Zehan y nació en Transilvania (Rumanía) el 21 de Octubre de 1925. Al tiempo que estudiaba literatura y filosofía en la Universidad de Bucarest, recibió lecciones de canto de Lucía Anghel continuando su formación con la soprano y pedagoga Lydia Lipkowska. A los diecinueve años terminó sus estudios formales de canto en Italia con el famoso tenor Aureliano Pertile, solista favorito del gran director Arturo Toscanini.

Su debut oficial fue en 1948 en el Teatro Comunale de Opera en Bolonia (Italia), con el papel de Violeta de "La Traviata", del que hacía una interpretación tan extraordinaria como cantante y actriz que llegó a representarlo más de 600 veces en el curso de toda su carrera. En 1955 debutó en la Opera de Roma y se convirtió en "prima donna" absoluta de aquel importante teatro durante veinticinco años.

Escenario del Teatro de la Opera de Roma

Actuó en el Metropolitan de Nueva York, el Teatro Bolsoi de Moscú, el Convent Garden de Londres, la Opera de Berlín y por toda Europa. En Barcelona se presentó en el GranTeatro del Liceo cantando "La Boheme" de Giaccomo Puccini, el día 21 de Noviembre de 1964. Junto a ella debutó un joven tenor llamado Jaime Aragall y el éxito obtenido por ambos fue según los críticos "inenarrable" y "delirante", hubo que ofrecer una quinta función extra y el comentarista Sr. Roger Alier lo describe así "El delirio de esa quinta "Boheme" será recordado por cuantos lo vivieron, como uno de los puntos culminantes de la historia del Liceo en esta segunda mitad del siglo XX".

Quizá fue la rival más directa de María Callas. Su gran repertorio comprendía unos 60 papeles diferentes entre los que sobresalían: Fausto de Gounod, Manon de Massenet, Luccia y Elisir d'Amore de Donizetti, I Puritani de Bellini, Otello de Rossini, Alzira, Aida, Don Carlos y Otello de Verdi, Eugen Oneghin de Chaikovsky, Lohendrin de Wagner, Tosca y la citada Boheme de Puccini. Cantó en compañía de los más famosos tenores de la época: Beniamino Gigli, Plácido Domingo, Ferruccio Tagliavini, Luciano Pavarotti, y Jaime Aragall, entre otros.

El famoso castillo Sant´Angelo, dramático escenario de la ópera "Tosca" de Puccini

En 1956 fue invitada a cantar en el Teatro La Scala de Milán la ópera Giulio Cesare de Haendel junto al tenor Franco Corelli, la mezzo Giulietta Simionato y el bajo Nicola Rossi-Lemeni. Con éste último se casó y vivió en feliz matrimonio 34 años, hasta el fallecimiento de él en 1991.

Favorita del compositor francés Francis Poulenc, éste le dedicó el papel de "Blanche de la Force" la protagonista de su famosa obra "Diálogos de Carmelitas", que cantó en su estreno mundial el 26 de Enero de 1957 en La Scala de Milán. La acompañaba otra eminente soprano: Leyla Gencer.

Con el paso del tiempo su voz cambió de soprano coloratura a lírica y dramática, aunque gracias a la excelente educación musical recibida y a su técnica vocal superior, juntamente con su dinamismo teatral, vitalidad y sensibilidad artística pudo permanecer en un primer puesto cerca de treinta años gozando del favor de público y críticos.

Retirada ya de la ópera, ella y su marido continuaron en activo como profesores distinguidos en la Universidad de Indiana (Estados Unidos) ejerciendo como instructores de la voz.

Virginia Zeani reside actualmente en West Palm Beach (Florida, EE.UU.) donde continuó su labor docente con clases particulares para Florida Gran Opera Young artist program y Palm Beach Opera Young artist program. Son numerosos sus discípulos notables, citaremos como muestra a Vivica Genaux, Elizabeth Frutal y Angela Browm (que debutó con gran éxito en 2004 en el Metropolitan de Nueva York con "Aida"), entre otros muchos.

Desgraciadamente, sus grabaciones discográficas son escasas, algo realmente incomprensible, a no ser que ella lo deseara así. Existen grabaciones pirata pero aunque valiosas, no permiten apreciar con perfección la belleza, calidad y extensión de su gran voz.

Virginia Zeani nos ofrece el aria "Adiós al pasado" de la ópera "La Traviata y "Caro Nome" de "Rigoletto", ambas de Giusseppe Verdi.

Franz Schubert: Rosamunda ( 1 )

2009-10-17T10:14:00.003+02:00

El 19 de diciembre de 1823 la Dirección del Theater an der Wien anunció la producción de Rosamunda, princesa de Chipre, "Un gran dama romántico en cuatro actos, con coros, acompañamiento musical y danzas, original de Helmina von Chezy, con música del Sr. Schubert". El nombre de ambos autores era ya familiar en los círculos musicales vieneses; von Chezy como libretista de la desafortunada ópera de Weber Euryanthe (cuyo estreno había tenido lugar dos meses atrás en el Teatro de la Corte) y Schubert como una esperanza de la ópera alemana, si bien todos los esfuerzos que hizo para ver una ópera suya producida en Viena, se vieron totalmente fracasados. Schubert, quien no supo reconocer la originalidad de la gran partitura de Weber, no había ocultado sus críticas acerca de Euryanthe, de modo que las facciones rivales se encontraron enfrentadas cuando Rosamunda fue presentada al público vienés el 20 de diciembre.

Helmina von Chezy

La idea de unir el genio de Schubert con el talento de Chezy procedió de Josef Kupelwieser, hasta entonces Secretario del Teatro de la Corte, quien confió en ofrecer de esta forma algún tipo de compensación a Schubert por anteriores negativas, pero lo cierto es que tuvo también un interés mucho más personal en aquel proyecto. Kupelwieser estaba enamorado de una joven actriz llamada Emilie Neumann, quien fue la elegida para interpretar el rol titular en Rosamunda, siendo la primera representación en provecho suyo.

Helmina von Chezy escribió posteriormente que la pieza fue escrita "con peligrosa precipitación" y se quejó amargamente de haber tenido que escribir el libreto en sólo cinco días. Pero en cambio no existen evidencias de que Schubert tuviera que componer su música con la misma precipitación. En lugar de componer una nueva obertura recurrió a la que ya tenía destinada para su ópera Alfonso y Estrella. Utilizó las mismas ideas musicales para el primer entreacto y para la música de ballet del Acto II, y echó mano de algunos temas de obras anteriormente compuestas para el entreacto en Si bemol. También existen estrechos vínculos entre el Coro de los Espíritus y el segundo entreacto.

La pieza de Chezy no ha sobrevivido, de modo que resulta imposible saber si la música se ajusta con propiedad al argumento Pero sabemos que éste versaba acerca de la constancia de Rosamunda, prometida en su infancia a cierto Alfonso, y la maldad de Fulgencio, gobernador de Chipre, entre cuyos designios entraba el poseer a la joven.

El tema, tan del gusto de la época, abundaba en las usuales absurdidades góticas: un pasaje secreto, una princesa que se cría entre pescadores, una carta envenenada a través de la cual los acontecimientos se vuelven contra el tirano y así sucesivamente. Aquellos romances tan extravagantes en boga a la sazón (los ingredientes dramáticos de Euryanthe son casi los mismos) y von Chezy apenas merece el ridículo que se volcó sobre ella; pero tal como ella misma se apresuró a puntualizar, el inevitable fracaso de la obra impidió que la música de Schubert brillara en todo su esplendor.

Cuadro del pintor francés Degás

Pero a pesar de todo, la música sobrevivió. Dos días después del estreno de la pieza, el amigo de Schubert, Moritz von Schwind, escribió que los números orquestados no produjeron la impresión que se esperaba, y que el Coro de los Espíritus, cantado fuera del escenario, fue del todo inaudible; pero en cambio la obertura mereció los honores de una repetición, así como el Coro de los Cazadores. En forma harto significativa, y teniendo en cuenta anteriores experiencias, Schwind añade: "Estoy seguro de que el Coro de los Cazadores rivalizará con el coro de Euryanthe de Weber en cuanto a la suerte que merece". Los números vocales se publicaron inmediatamente, pero las piezas orquestales desaparecieron hasta 1860, fecha en la que también fueron por fin publicadas. El entusiasmo que exhibió George Grove (su descubridor), y la dramática historia del hallazgo de las extraviadas partes orquestales durante su visita a Viena en 1868, contribuyeron a hacer que la música de Rosamunda fuera mejor conocida.

Cuando la obra fue retirada del cartel después de dos representaciones, este hecho señaló el fin de la implicación de Schubert con el teatro. Desilusionado, dirigió su atención hacia la música de cámara y la "gran sinfonía". Pero en forma asaz irónica, la obra que demostró ser su más rotundo fracaso teatral, se convirtió al final en el más duradero monumento a su música escénica; y ello nos parece justo puesto que en parte alguna del conjunto de su obra se hacen tan patentes sus dotes para el desarrollo de la melodía romántica y una vívida orquestación sin necesidad de recurrir a grandes despliegues. (Continuará)

El Theater an der Vien, allí también estrenó Beethoven importantes obras suyas

Franz Schubert, Obertura de "Rosamunda"