La dama de Shallot o La señora de Shalott (en inglés: The Lady of Shalott) es una balada del poeta inglés Alfred Tennyson. Como en sus otros poemas –Lancelot, Reina Ginebra, y Galahad– el poema se enfoca en el Rey Arturo y está basado en fuentes medievales. Tennyson escribió dos versiones del poema, una publicada en 1833, de 20 estrofas, y otra en 1842, de 19 estrofas. El poema está basado en la leyenda del Rey Arturo de Elaine de Astolat, como recuento de una novela italiana del siglo xiii titulada Donna di Scalotta. Tennyson se centró en el aislamiento de la Lady (señora, dama) en la torre y su decisión de participar en el mundo viviente, dos asuntos ni siquiera mencionados en Donna di Scalotta.
Las primeras cuatro estrofas del poema describen un entorno pastoril. The Lady of Shalott (La dama de Shalott) vive en un castillo de una isla en un río que fluye a Camelot, mas los labradores locales saben poco sobre ella.
Desde la estrofa cinco a la ocho describe la vida de la señora. Padece una maldición misteriosa y tiene que crear imágenes en su cabeza continuamente sin ver directamente el exterior, el mundo. Por el contrario, mira a un espejo que refleja la carretera ocupada y las personas de Camelot que pasan por su isla. Las imágenes reflejadas son descritas cómo "shadows of the world" ("sombras del mundo"), una metáfora que aclara que son un mal sustituto de la mirada directa al mundo ("I am half-sick of shadows", "estoy cansada de las sombras").
De la estrofa nueve a la doce, describe al "Señor Lancelot" cuando monta a caballo y es visto por la señora.
Las siete estrofas restantes describen lo que produce en la dama el ver a Lancelot dejando de crear imágenes en su cabeza y poder contemplar Camelot desde su ventana. Atrás queda la maldición, abandona su torre, encuentra una barca en la que escribe su nombre, y navega río abajo hacia Camelot. Sin embargo, al contacto con el mundo real, ella muere antes de llegar al palacio. Entre los caballeros y señoras que acuden al rescate está Lancelot, quien piensa: Era muy hermosa...
Tchaikovsky empezó la composición de su primer concierto para piano y orquesta en noviembre de 1874. Pensaba dedicarlo a su profesor y amigo el pianista Nicolai Rubinstein, fundador y director del Conservatorio de Moscú y que él interpretara la obra en uno de los conciertos de 1875 de la Sociedad Musical Rusa en Moscú.
Tchaikovsky aprovechó las celebraciones navideñas para dar a conocer su partitura a Rubinstein y a otro amigo músico, Nikolai Hubert, en el Conservatorio de Moscú el 24 de diciembre de 1874/5 de enero de 1875. David Brown escribe: "Esta ocasión se ha convertido en uno de los incidentes más notorios en la biografía del compositor". Tiempo después, Tchaikovsky compartió lo sucedido con su mecenas, Nadezhda von Meck :
Toqué el primer movimiento. ¡Ni una palabra, ni un solo comentario! […] Me armé de paciencia y toqué hasta el final. Silencio de nuevo. Me levanté y pregunté: «¿Qué tal?» Entonces Rubinstein prorrumpió en un torrente de comentarios […] En fin, que mi concierto no era bueno en ningún aspecto, era imposible tocarlo, algunos pasajes eran manidos, torpes e irremediablemente deshilvanados, que mi obra en conjunto era mala y vulgar […] que sólo había dos o tres páginas que podrían valer la pena, y que el resto había que tirarlo o revisarlo por completo […] dijo que si en determinado plazo de tiempo revisaba yo el concierto de acuerdo con sus exigencias, me haría el honor de tocar mi obra en uno de sus conciertos. Lo principal, es que no puedo reproducir el tono en que pronunció todo esto. «¡No revisaré ni una sola nota», contesté, «y voy a publicarlo exactamente en la forma en que se encuentra ahora!» (Orlova, 1990: 70-71).
Brown escribe que no se sabe por qué Tchaikovsky se acercó después al pianista alemán Hans von Bülow para estrenar la obra, aunque lo había escuchado tocar en Moscú a principios de 1874 y quedó cautivado por su combinación de intelecto y pasión. Bülow también era un admirador de Tchaikovsky y se estaba preparando para emprender una gira por los Estados Unidos. Esto significaba que el concierto se estrenaría a medio mundo de distancia de Moscú.
A pesar de los comentarios negativos de Nicolai Rubinstein, que lo afectaron profundamente, Tchaikovsky no cambió la obra y terminó de orquestarla al mes siguiente. Sin embargo, su confianza había perdido fuerza y quiso que el público escuchara su concierto por vez primera en un lugar y ambiente distintos donde no tuviera que soportar personalmente ninguna humillación si no le iba bien.
El Boston Music Hall construido e inaugurado en 1852. Llegó a poseer un magnífico órgano que aún se conserva. En el año 1900 la Orquesta Sinfónica de Boston se trasladó al nuevo edificio Symphony Hall.
El estreno de la versión original tuvo lugar el 25 de octubre de 1875 en Boston , bajo la dirección de Benjamin Johnson Lang y con Bülow como solista. Este había contratado inicialmente a otro director, pero surgió un desacuerdo y Lang lo sustituyó con poca antelación. Según Alan Walker , el concierto fue tan popular que Bülow se vio obligado a repetir el Finale, un hecho que a Tchaikovsky le pareció asombroso. Aunque el estreno fue un éxito entre el público, los críticos no quedaron tan impresionados. Uno escribió que la pieza "no estaba destinada... a convertirse en clásica". George Whitefield Chadwick , que se encontraba entre el público, recordó en unas memorias años después: "No habían ensayado mucho y los trombones se equivocaron en el 'tutti' en medio del primer movimiento, tras lo cual Bülow cantó con una voz perfectamente audible: " Los metales pueden irse al infierno ". La obra fue mucho mejor interpretada en su presentación en la ciudad de Nueva York el 22 de noviembre, bajo la dirección de Leopold Damrosch .
El estreno ruso tuvo lugar el 13 de noviembre de 1875 en San Petersburgo , con el pianista ruso Gustav Kross y el director checo Eduard Nápravník . En opinión de Tchaikovsky, Kross redujo la obra a "una cacofonía atroz". En Moscú se interpretó por primera vez el 3 de diciembre de 1875, con Serguéi Tanéyev como solista. El director fue Rubinstein, el hombre que había criticado exhaustivamente la obra menos de un año antes. Rubinstein había llegado a ver sus méritos, y tocó la parte solista muchas veces por toda Europa. Finalmente, Tchaikovsky dedicó la obra a Hans von Bülow, quien la calificó de "tan original y noble". Curiosamente, más adelante eliminó el concierto de su repertorio sin que se conozcan los motivos.
Hans Guido von Bülow (1830-1894) fue un director de orquesta, virtuoso pianista y compositor romántico alemán. Pertenecía a la nobleza y llevaba el título de Freiherr (barón). Fue uno de los famosos directores del siglo xix y dirigió la Filarmónica de Berlín entre 1887 y 1893. Alumno de Franz Liszt casó con su hija Cosima, la cual después de separarse contrajo matrimonio con Richard Wagner.
Se han conservado tres versiones distintas del concierto, todas autógrafas de Tchaikovsky, de las cuales hizo al mismo tiempo una versión para dos pianos.
En 1875, Tchaikovski publicó la obra en su forma original, pero en 1876 aceptó con gusto los consejos para mejorar la escritura para piano del pianista alemán Edward Dannreuther , que había dado el estreno en Londres de la obra, y del pianista ruso Alexander Siloti varios años después.
1874-1875: Composición de la primera versión, noviembre de 1874 al 21 de febrero de 1875 en Kamenka. 25 de octubre de 1875: Estreno mundial en el Boston Music Hall de Hans von Bülow (piano) y Benjamin Johnson Lang (director de orquesta).
1876-1879: Composición de la segunda versión. Los cambios afectan la parte del piano del primer movimiento, según información de Edward Dannreuther, Hans von Bülow y Karl Klindworth. 1884, 29 de noviembre: estreno de la segunda versión en la Sociedad de Música Rusa de San Petersburgo por Natalia Kalinowskaja-Tschikachewa (piano) y Nikolai Rimski-Korsakow (director de orquesta).
1888: Composición de la tercera versión más utilizada hoy en día. Los cambios consisten en acortar el tercer movimiento en diez barras. 20 de enero: estreno de la tercera versión en la Sociedad Filarmónica de Hamburgo por Wassili Lwowitsch Sapelnikow (piano) y Pyotr Tchaikovsky (director de orquesta).
Como dato anecdótico, se puede citar que los orígenes de la orquesta se remontan al año 1828, cuando se fundó en la ciudad hanseática una Sociedad Filarmónica que se convirtió en punto de encuentro de artistas como Clara Schumann, Franz Liszt y Johannes Brahms. Es decir, Tchaikovsky dirigió en persona la versión definitiva de su famoso concierto para piano en un escenario feudo de Brahms.
Piotr Ilich Chaikovski
El concierto sigue la forma tradicional de tres movimientos:
Allegro non troppo e molto maestoso - Allegro con spirito Andantino Simplice - Prestissimo Allegro con fuoco
El concierto es célebre por la tensión dramática entre el piano y orquesta. Es marcadamente sinfónico en su carácter, y se diferencia mucho del tipo de concierto más musical y aparentemente virtuoso que era común en la Rusia de la época. Esto no quiere decir que la exigencia técnica de la parte solista no sea considerable. El pianista debe enfrentarse a la monumental naturaleza de la obra con un desgarrador tono que a menudo debe dominar sobre el orquesta y la rapidez y la intrínseca dificultad de la escritura ponen más obstáculos a la interpretación.
El popular tema de la sección introductoria del primer movimiento está basado en una melodía que Tchaikovsky escuchó a unos músicos ambulantes ciegos, en un mercado de Kamenka, cerca de Kiev ( Ucrania ). Este fragmento, el más conocido de todo el concierto, es remarcable por su carácter casi independiente del resto del movimiento. No está compuesto en la tonalidad nominal de la obra, si bemol menor , sino en la tonalidad complementaria mayor de re bemol mayor . A pesar de su notoria naturaleza, el tema sólo se escucha dos veces, y no vuelve a aparecer más a lo largo del concierto. Tchaikovsky, compositor con una extraordinaria invención melódica, se permite aquí el lujo de usar esta exuberante melodía de manera casi circunstancial, sin desarrollo ni reexposición posterior.
Este tema de apertura tiene su contraparte triunfante en la coda del tercer movimiento, que crea una referencia dramatúrgica convincente y una amplia gama de contenido desde el principio hasta el final del trabajo.
La introducción de Allegro non troppo e molto maestoso es definitivamente grandiosa y solemne. Tras una primera parte llena de metales, una sucesión de acordes de piano lleva a una apasionada melodía en la orquesta. Antes de que el primer tema se agote por completo, los arrebatos del segundo aparecen, anticipando su pronta llegada en una doble exposición de estructura única. La evolución tumultuosa presenta dos momentos álgidos impactantes, uno destacando el piano con acompañamiento orquestal y otro resaltando la orquesta con un pasaje apasionado de cuerdas sustituyendo al piano con gran valentía. El final del movimiento es muy seguro y con autoridad, incluyendo impresionantes secciones para el solista que crean una melodía a partir de acordes decididos interpretados por la orquesta.
El segundo movimiento en re bemol mayor comienza con una melodía solista en la flauta, que es captada por el piano. En marcado contraste con este tema lírico, hay una sección rápida en medio del movimiento que alude a la chansonette francesa "Il faut s'amuser, danser et rire" (Tienes que divertirte, bailar y reír). Esta canción forma el eje espejo de una simetría, por así decirlo, porque al final el tema de inicio es retomado y finalizado por el piano y el oboe .
El tercer movimiento tiene forma de rondó; sus temas tienen su origen en las danzas folclóricas rusas. El primer tema se repite una y otra vez en la interacción entre piano y orquesta. Los pasajes intermedios de carreras y saltos de acordes exigen mucha habilidad del solista y dan brillo al movimiento final.
Tchaikovsky Concierto para piano y orquesta nº 1, en si bemol menor, op.23
Año 2025, Celebración 200 Aniversario Johann Strauss II
Johann Baptist Strauss II (Neubau , 25 de octubre de 1825-Viena, 3 de junio de 1899) fue un compositor austriaco conocido especialmente por sus valses, como El Danubio azul. Hijo del compositor Johann Strauss y hermano de los compositores Josef Strauss y Eduard Strauss, Johann es el más famoso de la familia Strauss. Fue conocido en su vida como «el rey del vals» y a él se debe en gran medida la popularidad del vals en la Viena del siglo xix. Lo revolucionó, elevándolo de una danza campesina a una de entretenimiento apta para la Corte Imperial de los Habsburgo. Sus obras gozan de mayor popularidad que las de sus predecesores, como su padre y Josef Lanner. Algunas de sus polcas y marchas son también muy conocidas, así como su opereta Die Fledermaus (El Murciélago).
Fuente Wikipedia
Johann Strauss II
Compuesto en 1868, G'schichten aus dem Wienerwald opus 325, (Cuentos de los bosques de Viena) es uno de los seis valses vieneses de Johan Strauss hijo que incluyen una parte para cítara. El estreno de la obra significó un hito en el desarrollo del vals desde sus orígenes aldeanos hasta el centro de la moda vienesa, en gran parte gracias al talento de la familia Strauss. Sin embargo, el título rememora la música popular de los habitantes de los bosques de Viena.
La introducción, una de las más largas escritas por Strauss, (119 compases) comienza en Do mayor para luego cambiar a Fa mayor, ganando progresivamente volumen y animación. La segunda parte, más reflexiva, está en Sol mayor, con un solo de violín que incorpora material que luego es utilizado en las siguientes secciones del vals. Una breve cadenza de la flauta invoca el canto de los pájaros, para ir luego hacia el solo de cítara, que presenta dos partes; un ritmo lento de ländler y un final vivace.
Compuesta en Marquartstein (Baviera) el 22 de agosto de 1899 y dedicada a Mme. Marie Rösch (née Ritter) "con amistosa admiración", esta dulce canción de cuna es interesante por la forma en que Strauss mantiene un equilibrio convincente entre un estilo de canción íntima y un aria de concierto.
Las armonías convencionales de la canción siguen perfectamente los estados de ánimo sutilmente cambiantes del poema de Richard Dehmel. La apertura está marcada sanft bewegt (con un movimiento suave) y los arpegios de fusasegundos del acompañamiento de piano, similares a los de un arpa, se tocan sehr leicht und flüchtig (muy ligeros y fugaces) a un nivel dinámico de pianississimo muy tenue. La línea melódica del vocalista avanza a un ritmo silencioso, considerablemente más lento, sin elaboración, solo con simples notas de paso y completamente en si bemol mayor: "Sueña, mi dulce vida, con el cielo que produce flores".
La sección central modula a la tonalidad subdominante (mi bemol mayor) con una modulación a la menor (sol séptima a do menor) en las palabras "Las flores tiemblan, sacudidas por la canción...", y luego vuelve pacíficamente a la tonalidad de origen en las palabras "...que canta tu madre". La melodía continúa moviéndose en notas considerablemente más largas, en el estilo de aumento, que el compositor emplea en las partes del coro de viento y de metales en varias de sus composiciones orquestales.
El segundo verso suena inicialmente como una recapitulación del primer "Sueño, sueño...", pero inmediatamente cambia a la tonalidad menor paralela (si bemol menor) a medida que el estado de ánimo se vuelve más serio en las palabras "mis preocupaciones brotaron, desde los días en que las flores florecieron, desde esa mañana brillante..." Y, como en el verso anterior, hay una modulación de regreso a la tonalidad tónica cuando los pensamientos se vuelven esperanzadores: "...tu cuidado me ha abierto el mundo".
El tercer verso reitera el primero y el segundo. Esta vez se le pide al niño: "Sueña, sueña, mi amor, con la noche silenciosa y santa". Las armonías pronto comienzan a modularse de manera sutil hacia una tonalidad considerablemente alejada mediante una serie de falsas anticipaciones que engañan al oído con un movimiento enarmónico muy suave hacia centros tonales imprevistos (si bemol mayor, re mayor, la mayor, mi menor sexta, si menor). Las modulaciones aumentan hasta dos picos sostenidos en las palabras "Welt" (mundo) en un acorde de sol mayor y "Himmel" (cielo) en un acorde de do mayor completo al final del verso: "Cuando la flor de su amor hizo del mundo un paraíso para mí". Esta última línea se repite una vez más mientras la música vuelve a la tonalidad y el estado de ánimo de la apertura, y la pieza concluye con arpegios susurrantes que ascienden hasta el rango más alto del piano.
Description by "Blue" Gene Tyranny (Traducido del original inglés)
Berthe Morisot 1872
WIEGENLIED Op. 41.1 (1899)
Träume, träume, du mein sußes Leben
Música de Richard Strauss (1864- 1949)
Texto de Richard Fedor Leopold Dehmel (1863 - 1920)
La tragedia de Hamlet, príncipe de Dinamarca (título original en inglés: The Tragical History of Hamlet, Prince of Denmark), o simplemente Hamlet, es un drama teatral escrito en verso por el dramaturgo inglés William Shakespeare, que está considerado uno de los clásicos de la literatura universal. Su autor probablemente se basó en dos fuentes: la leyenda de Amleth y una perdida obra isabelina conocida hoy como Ur-Hamlet o Hamlet original (hecho que se deduce de otros textos).
Leyendas con temáticas similares a Hamlet abundan en diversas culturas alrededor del mundo (por ejemplo, en Italia, España, Escandinavia, Bizancio y Arabia), quizás por su posible origen indoeuropeo. y se pueden identificar muchos escritos precursores de tragedia.
El año concreto en que fue escrita sigue aún en disputa, cuestión que se complica porque se han conservado tres versiones tempranas de la obra, cada cual única, puesto que poseen líneas —e incluso escenas— diferentes o ausentes entre ellas y que supuestamente fueron compuestas para representaciones teatrales distintas. La mayoría de biógrafos y estudiosos acreditados, coinciden en señalar comienzos del siglo XVII, probablemente entre 1600 y 1601.
A pesar de ser la obra más extensa que escribió Shakespeare y de un argumento propio de las tragedias griegas, Hamlet ha sido una de las creaciones literarias capaz de originar el mayor número de traducciones, análisis, y comentarios críticos. Su estructura dramática , la profundidad de sus caracterizaciones y una línea temporal con poder de «aparentemente ilimitadas reformulaciones y adaptaciones posteriores», hacen que Hamlet pueda que ser analizada, interpretada y discutida desde una amplia pluralidad de perspectivas: la filosofía, la religión, el psicoanálisis y la retórica.
El castillo de Kronborg o de Elsinor, donde transcurre la tragedia Hamlet
Breve resumen de la obra
Después de dar muerte en secreto a su hermano, Claudio se proclama nuevo rey de Dinamarca y sin respetar la costumbre que impone el duelo, se casa con la reina viuda Gertrudis. La muerte de su padre no es asumida por el príncipe Hamlet, que rechaza la nueva boda de su madre. El espectro del padre se aparece a Hamlet en la muralla del castillo de Elsinor y le cuenta las circunstancias de su asesinato y pide venganza. Hamlet promete obedecer pero su naturaleza melancólica le hace indeciso, mientras tanto se finge loco para evitar la sospecha de que él pueda constituir una amenaza para la vida del nuevo rey.
Hamlet y Ofelia están enamorados, pero Polonio, gran chambelán de la corte, pide a su hija que se aparte del príncipe. Después de que Hamlet pronuncie el famoso soliloquio que comienza con la conocida frase «ser o no ser», sin advertir la presencia de Ofelia, ella le devuelve unas cartas que le envió y él se pone furioso, la rechaza y le insiste para que se marche a vivir a un convento. La reina Gertrudis cita a su hijo en sus habitaciones para tratar de comprender su extraño comportamiento, éste le reprocha su precipitada boda y al notar moverse una cortina, creyendo que es Claudio, apuñala mortalmente a Polonio que se hallaba escondido espiando. La reina se convence de las sospechas de todos que su hijo en verdad está loco.
El espíritu del difunto Rey se aparece a Hamlet
Hamlet continúa dudando si el fantasma le ha dicho la verdad, cuando una compañía de actores itinerantes llega a Elsinor, se le presenta una solución. La obra resulta ser la recreación de un asesinato, por lo cual Hamlet les pide que la representen modificada según un texto que él les proporcionará, y que describe la muerte de su padre. La reacción del rey que manifiesta inquietud y su abrupta retirada le convence de su culpabilidad.
Tras la muerte de Polonio, Ofelia, angustiada además por el alejamiento de su amado Hamlet, comienza a cantar y desvariar. El Rey Claudio, decidido a hacer desaparecer a Hamlet, le envía a Inglaterra acompañado de su amigos Rosencrantz y Guildenstern, que en realidad tienen orden de ejecutarlo pero unos piratas capturan a Hamlet y lo devuelven a Dinamarca. A su llegada encuentra que Ofelia, loca de dolor, se ha ahogado. El hermano de la joven, Laertes, ha vuelto para vengar la muerte de su padre Polonio.
Claudio, aparentemente, quiere apaciguarlos e induce a Hamlet y a Laertes a rivalizar, no en un duelo, sino en una partida de armas que selle el perdón. Pero a Laertes le dan una espada con punta envenenada. Hamlet es traspasado, sin embargo, antes de morir hiere mortalmente a Laertes y mata al rey, mientras la reina Gertrudis bebe la copa con veneno que estaba destinada para su hijo Hamlet.
El drama concluye con la llegada de Fortinbrás, príncipe de Noruega, que se convierte en soberano del reino de Dinamarca.
En el entierro de Ofelia
Hamlet de Shakespeare fue la inspiración para dos obras de Pyotr Ilyich Tchaikovsky : la obertura-fantasía Hamlet, op. 67, y la música incidental para la obra, op.67a.
Obertura-Fantasía, Op. 67
Tchaikovsky escribió la obertura-fantasía de Hamlet , op. 67, entre junio y el 19 de octubre de 1888, mientras estaba ocupado en la composición de la partitura de su Quinta Sinfonía .
La idea de una obertura de Hamlet se le ocurrió por primera vez a Tchaikovsky en 1876, como se describe en sus planes en una carta a su hermano Modest . En ese momento lo diseñó en tres partes:
1. Elsinor y Hamlet, hasta la aparición del fantasma de su padre
2. Polonio (scherzando) y Ofelia (adagio), y
3. Hamlet tras la aparición del fantasma. Su muerte y Fortinbrás.
Sin embargo, en 1888 había modificado estas nociones. El actor Lucien Guitry le pidió que escribiera música incidental para una producción de la tragedia de Shakespeare, a lo que Tchaikovsky accedió. La actuación prevista fue cancelada, pero Tchaikovsky decidió terminar lo que había empezado, en forma de obertura de concierto . No hay representación musical de los acontecimientos del drama, ni siquiera una presentación de los personajes clave. La obra adopta el mismo esquema que utilizó en sus otras piezas de Shakespeare, la obertura fantástica Romeo y Julieta(1869, revisada en 1870 y 1880) y la fantasía sinfónica La tempestad (1873), al utilizar ciertas características o situaciones emocionales dentro de la composición, su esencia es la atmósfera inquietante que representa al castillo de Elsinore, pero hay un tema de amor obvio, y se puede escuchar una melodía lastimera en el oboe que representa a Ofelia.
Lo que hace que "Hamlet" sea diferente de otras obras de fantasía de Tchaikovsky es la falta de un desarrollo estructural. La forma estándar de esta música tiene una exposición, un desarrollo y concluye con una recapitulación. Tchaikovsky no quiso destacar claramente una sección de desarrollo en "Hamlet", esto es quizá lo que la aproxima más al poema sinfónico pues la partitura tiene fuerza dramática e inspiración y belleza en los temas.
La obertura-fantasía de Hamlet fue dedicada a Edvard Grieg , a quien Tchaikovsky había conocido en Leipzig a principios de 1888 en la misma ocasión que a Johannes Brahms . Describió a Grieg como "un hombre extraordinariamente encantador", su opinión de Brahms es sabida, así que no hace falta recordarla.
La Sinfonía n.º 5 se estrenó el 17 de noviembre de 1888 y la obertura-fantasía de Hamlet tuvo su primera representación una semana después, el 24 de noviembre. Ambas representaciones fueron en San Petersburgo y Tchaikovsky las dirigió. Si bien Hamlet no fue un gran éxito, recibió una mejor recepción inicial que la sinfonía, pero posteriormente asumió un perfil más bajo en las obras de Tchaikovsky.
Fuentes
Alexander Poznansky, Tchaikovsky: La búsqueda del hombre interior.
John Warrack, Tchaikovsky
Diccionario de música y músicos de Groves , 5ª ed.
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